La última pelicula

Cine, cinco noches a la semana en La 2.

2012-01-09T14:07:00.001+01:00

La 2 estrena nueva temporada de cine con grandes títulos de todo tipo de procedencia y época. Esta programación ocupará cinco noches de la semana que se distribuirán de la siguiente forma:

Los lunes: Selección.
Será el turno del cine de La 2, una selección de películas europeas de calidad de producción reciente con la incorporación de algunos clásicos modernos. Entre otros títulos los espectadores podrán disfrutar de 'La vida en Rosa', 'Bienvenidos al norte', 'La cinta blanca' o 'Cinema Paradiso'.

Los martes: Versión Española .
Grandes títulos recientes y clásicos del séptimo arte español, con Cayetana Guillén Cuervo y un coloquio con los protagonistas. Las próximas citas con nuestro cine son 'Territorio Comanche' de Gerardo Herrero con Imanol Arias y Carmelo Gómez; 'Mentiras y gordas' de Alfonso Albacete y David Menkes con Mario Casas, Ana de Armas y Hugo Silva; 'Todas las canciones hablan de ti' de Jonás Trueba.

Los miércoles: Cine clásico
Los amantes de los clásicos tienen aquí su punto de encuentro con películas como 'Gilda', 'El halcón y la flecha', 'Dos cabalgan juntos', 'De aquí a la eternidad', 'Doctor Zhivago', 'Casablanca'...

Los jueves: Cinefilia
Este día se podrán disfrutar grandes clásicos modernos americanos y europeos. El mejor cine de los últimos 30 años de la mano de los mejores directores. 'La lista de Schindler' de Steven Spielberg, 'El cabo del miedo' de Martin Scorsese, 'The boxer' de Jim Sheridan, 'Esencia de mujer' de Martin Brest, 'Las vírgenes suicidas' de Sophia Coppola o 'Las amistades peligrosas' de Stephen Frears.

Los sábados: 'De qué se ríen los europeos'
En las próximas semanas, se incorporará además un nuevo espacio: las mejores comedias europeas de los últimos años.

Nota de prensa aqui

El espectáculo visual de Immortals.

2011-12-22T20:34:00.001+01:00

Immortals adapta de una forma libre algunos mitos de la Grecia Antígua con este enfrentamiento entre el rey Hyperion y Teseo, mortal que cuenta con la bendición de los dioses del olimpo e intentará detenerle antes de que se haga con el arco de Epirus y libere a los Titanes.

Henry Cavill, quien pronto será el nuevo Superman, lidera esta historia capitaneada por Tarsem Singh. Singh será un director controvertido, pero si una cosa ha demostrado con sus anteriores producciones es que es un virtuoso de la dirección artística y la puesta en escena.

En Immortals, vuelve a hacer gala de este talento. Con una textura similar a la que vimos en 300, Singh se aleja del aspecto comiquero y aprovecha el mundo del croma para ofrecernos unos paisajes apabullantes envueltos en una atmósfera mística que tan bien sienta a la historia. Aprovecha la profundidad de campo y una puesta en escena que cuida al máximo el segundo plano para combinarlas con el 3D y regalarnos esa espectacularidad visual. La fotografía, el uso del color y el diseño de vestuario añaden muchos puntos al resultado final.

Desgraciadamente, el aspecto técnico está acompañado de un guión simplemente aceptable y volvemos a entrar en una historia que coloca la acción y el efectismo por encima de cualquier conflicto interesante o medianamente profundo. Pero no hay que alarmarse, la historia es correcta y lo suficientemente entretenida para que lo visual haga el resto. No es otro Furia de Titanes.

Instrucciones de uso: He leído muchos comentarios que la comparan con 300. Aunque la estética puede recordar a aquella maravilla de Zack Snyder, no comparte ni tono ni realización. Bueno, quizá la sangraza digital y cierto uso de la cámara lenta sí, pero no demasiado.

En definitiva, Immortals es una película para disfrutar en modo palomitero, dejarse llevar por lo visual y espectacular con el plus de los cuerpos serranos griegos de sus protagonistas. La película se estrena mañana viernes 23 de diciembre. Os dejo con el trailer.

Feliz 65 cumpleaños, Spielberg.

2011-12-18T13:26:00.001+01:00

Ehpilber cumple añitos. Uno de los cineastas más exitosos e influyentes de la industria y el director más taquillero ever cumple 65 inviernos hoy. Según el todopoderosos IMDb, tiene ya 50 títulos a sus espaldas como director y más del doble como productor. Su estantería la adornan tres Oscar, los dos que recibió por la Lista de Schindler y la mejor dirección de Salvad al Soldado Ryan... y no me hagáis hablar de Shakespeare in Love, que no respondo... Acepto que no ganase La Delgada Línea Roja pero... dejémoslo, no voy a hacerme mala sangre, que estamos de cumple.

En 1984, Steve fundó su propia productora y se dedicó a producir alguno de mis títulos ochenteros favoritos como Gremlins, Regreso al Futuro o Quién engañó a Roger Rabbit. Diez años después se uniría a dos productores para formar DreamWorks Studios, que se ganó las alabanzas de todos a finales de los 90 con tres ganadoras consecutivas de los Oscar: Gladiator, American Beauty y Una Mente Maravillosa.

Spielberg me ha regalado grandes momentos, grandes personajes y grandes películas a las que contar entre mis favoritas tanto en su faceta de productor como director, qué mejor ocasión para hacerle un pequeño tributo. Me ha costado elegir cinco películas entre su extensa, brillante y ecléctica filmografía, pero, ciñéndome a su labor como director, aquí va.

E.T. El Extraterrestre

Porque... es mágica, especial y emotiva. Por esos planos hasta las rodillas de los adultos. Por capturar la contradicción de sentirse atraído por algo nuevo y excitante a la vez que aterrador. Por hacernos reír, llorar y aplaudir a partes iguales. Por esa inolvidable banda sonora de John Williams...

Indiana Jones y la última cruzada

Porque... es el cierre perfecto a una de las mejores sagas de aventuras jamás producidas (nótese como ignoro la cuarta parte). Por la divertidísima química entre padre e hijo. Por las metareferencias, las persecuciones y por seguir sorprendiendo.

Hook

Porque... es una de mis películas de la infancia. De nuevo perfecta como cine de aventuras familiar. Por su humor, por ese hook depresivo pasado de rosca, por la vuelta de tuerca al cuento de Peter Pan, por sus eternos daddy issues, aquí más presentes que nunca...

Parque Jurásico

Porque... casi veinte años después sigue siendo un estupendo título de acción y suspense. Por haberme hecho flipar con los dinosaurios como era niña, ¿quién no montó ese Stegosaurus por fascículos después de ver la película?. Por esos efectos especiales que aguantan mejor que la motion capture más sofisticada de estos días. Por (otra más) fantástica e inolvidable banda sonora de John Williams.

La Lista de Schindler

Porque... la obsesión de Spielberg con la Segunda Guerra Mundial nos ha dado grandes títulos bélicos pero lo trágico y emotivo de éste es difícil de igualar. Por la niña del vestido rojo, por esos tristes violines de su banda sonora, por el lirismo de su fotografía y puesta en escena...

Además de estas cinco, quiero acordarme de Minority Report, un gran película de ciencia ficción junto con Encuentros en la tercera fase e Inteligencia Artificial. No me olvido tampoco de El Color Púrpura o esa injustamente olvidada que es Atrápame si puedes que, dicho sea de paso, tiene uno de los mejores títulos de crédito de la historia.

Este año de su 65 aniversario tiene pinta de ser uno de los grandes para el maestro. Después de hacer un viaje al pasado, a las grandes películas de aventuras ochenteras, con la fabulosa y divertidísima Tintin, aún estamos a la espera de War Horse, una producción que huele al Spielberg bélico emotivo que tanto me gusta. Otra que espero con muchas ganas es Lincoln, su película para el año que viene donde Daniel Day-Lewis será el decimosexto presidente de Estados Unidos en mitad de la Guerra Civil americana, ganas ¿eh?.

Gracias por tu talento y dedicación, Steve. Y feliz cumpleaños.

Las fantasmadas disfrutables de una saga de Misiones Imposibles

2011-12-14T13:24:00.000+01:00

Lo reconozco: soy fan de la saga Misión Imposible. La culpa la tiene su primera entrega: Película de espías y acción impecable, con dobles, tecnología imposible y misiones suicidas todo agitado con un ritmo excelente.

Diez años después nos llegó Mission: Impossible III de la mano de J.J. Abrams y los guionistas habituales de Bad Robot. Espera, ¿Qué? ¿Qué segunda entrega? Ah, ¿esa bazofia infame de guión vergonzoso y fantasmadas mal entendidas? En lo que a mí respecta, Missión: Impossible es una trilogía. El regreso de Ethan Hunt en 2006 nos quitó el mal sabor de boca de esa cosa de John Who, resultando una buena cinta de acción que recuperaba los mejores y más característicos elementos de la saga.

Este viernes se estrena Protocolo Fantasma, un nuevo capítulo que recupera a Tom Cruise como héroe absoluto acompañado de nuevo por Simon Pegg y de los recién reclutados Jeremy Renner y Paula Patton. Todos actúan bajo a las órdenes de Brad Bird, director de la gran Ratatuille entre otras, que ha demostrado tener talento más allá de la animación.

Misión Imposible: Protocolo fantasma tiene dos caras. En cuanto a espectáculo y frenetismo cinematográfico bien entendidos, supera con creces a su predecesora. Sin embargo, está notablemente falta de alguno de los recursos más divertidos e interesantes de la saga, todo ese mundo de espías y giros drásticos de guión. Esta nueva misión de Hunt se abandona a la acción más pura, dando unos episodios trepidantes como todo el arranque en Rusia y, sobretodo, la misión en Dubai. ¡Qué fantástico es encontrarse con esa acción que te hace sufrir con cada golpe que recibe Tom o cada vez que está volando por los aires con algo de esa loca tecnología avanzada.

Instrucciones de uso: Si no disfrutas con la espectacularidad de secuencias pasadas de rosca, si buscas profundidad dramática o verosimilitud, no entrarás en las reglas del juego y, probablemente, no te gustará.

La cuarta (o tercera, ya sabéis) entrega de las Misiones Imposibles no es redonda. Tras el frenetismo de la primera hora y cuarto, la misión en India se hace algo tediosa pero recupera el ritmo una vez vuelve la acción de verdad a estar sobrela mesa. Altamente recomendable para los que quieran disfrutar de una buena cinta de acción. Se estrena en España este viernes 16 de Diciembre.

El virus blockbusterizador

2011-11-23T16:42:00.000+01:00

Stephen King está en boca de todos últimamente. A la adaptación televisiva de Bag of Bones (Un saco de huesos,) que la cadena americana AMC estrena en diciembre, y la adaptación cinéfilo-televisiva de La Torre Oscura, se une una nueva polémica.

Hace ya tiempo que se sabe que King estaba desarrollando Dr. Sleep, una segunda parte para su archiconocida novela El Resplandor. La semana pasada, el escritor hizo unas declaraciones asegurando que ya tenía el segundo borrador. Es cuestión de tiempo que alguien anuncie la compra de derechos. Hasta entonces, tenemos otra de sus novelas a vueltas: The Stand (Apocalipsis). La adaptación cinematográfica de este título está ahora en manos de Ben Affleck, que se convirtió en el director después de que David Yates rechazara la oferta.

En una reciente entrevista, preguntaron a Yates por este rechazo. Me ofrecieron The Stand. Me encanta The Stand. Lo leí cuando era un niño y era uno de mis libros favoritos de la adolescencia. Me encanta Stephen King, creo que es un escritor notable, decía. Tras Harry Potter, es normal querer trabajar con un autor que tiene el mismo alcance que J.K. Rowling y, sinceramente, Stephen King lo tiene. Sin embargo, mi problemas han sido con la adaptación. Quería trabajar con Steve Kloves y él conmigo, y los dos estábamos comprometidos a hacerlo, pero pensando en cómo queríamos enfocar la adaptación acabamos dejándolo. Nos retiramos.

Básicamente, lo más interesante de lo que cuenta Yates es que la historia de Apocalipsis no te lleva precisamente al tipo de blockbuster que Warner estaba buscando. Lo que me encanta del trabajo de King y de Apocalipsis es el hecho de que Stephen King te introduce de lleno en las vidas de esa gente y ves el mundo desde una perspectiva humana muy íntima, algo que me gusta. Sentimos la presión de crear ese estilo de cine mega-comercial, algo que podíamos hacer con Harry Potter porque existía en el material original, lo que no ocurre en este caso. Me preocupaba no ser capaz de desarrollar lo que el estudio estaba buscando partiendo de esa novela. Podía fácilmente ver una nueva adaptación a miniserie, una miniserie con muchos niveles, interesante e intricada”.

Ben Affleck me gusta como director pero, ¿significan estas palabras de Yates que se ha involucrado en algo destinado al fracaso? Ya demostraron con Prince of Persia (y, para el caso, con muchas de las adaptaciones de libros de King) que un buen material de partida no garantiza absolutamente nada, y que la inserción de esos pastiches de cine comercial en una historia excelente se cargó el resultado. No soy ninguna purista de las adaptaciones, todo lo contrario, de hecho. Pero la fiebre de lo mainstream que sufren los estudios de cine tiene el superpoder de convertir algo con potencial en algo lamentable y olvidable que, además, tiene un efecto terrible sobre el material original.

Solo queda confiar que Warner no se cargue la que probablemente sea una de las mejores novelas de Stephen King y desaproveche algo que se mueve en ese género post-apocalíptico que tanto se lleva últimamente.

HSX, la bolsa de Hollywood.

2011-11-22T13:41:00.001+01:00

Primas de riesgo, IBEX 35, emisiones del Tesoro… Olvidaros de todo eso durante unos momentos al día y venid conmigo a Hollywood Stock Exchange, el juego de la bolsa de Hollywood.

Descubrí HSX al poco de entrar en la carrera pero mi naturaleza voluble hizo que lo fuese abandonando. Hace unos meses me acordé de ello por casualidad, abrí una cuenta nueva y aquí sigo, a tope con mis acciones de Los Juegos del Hambre y mis derivados de estrenos televisivos. Y para arrastraros conmigo he decidido hacer un post explicativo, porque ofrece tantas posibilidades que no quiero que os perdáis ninguna. Y además he creado una liga para que juguemos juntos. Pero primero…

¿Qué es HSX?

HSX simula un sistema de bolsa en el que las acciones, opciones, garantías y demás se hacen con películas, actores, directores, estudios y muchísimos más elementos del mundo del entretenimiento de la so called meca del cine. La idea es, obviamente, hacer el mayor moni moni posible. Es gratuito y online. Ha habido varios amagos de hacerlo algo real, pero siempre se quedan en nada; quiero pensar que por sentido común.

¿Cómo empiezo?

Nada más registraros (al final os digo cómo), os darán 2 millones de dólares. Con eso, podréis comenzar y ya tendréis el portfolio listo. Esta es la pinta que tiene:

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Net worth es el valor neto de vuestra pasta, que a su vez lo podéis ver dividido en lo que tenéis invertido (investments) y lo que está disponible para gastar (cash). En la parte derecha estará siempre la información de lo que habéis ganado en las últimas horas y también unos porcentajes de varios periodos de tiempo. Si está en verde, es buena noticia :P

¿Y qué es lo que puedo comprar?

Empecemos con lo básico: MOVIESTOCKS y STARBONDS. Esto es acciones de películas y personalidades. Cuando entras en el perfil de cualquier activo, además de una sinopsis, ficha técnica y demás datos básicos, tenéis esta información que os da una idea de lo que cuesta cada acción, de las que hay en circulación, lo que ha ido subiendo y bajando en los últimos meses… etc. Y el cuadro de TRADE.

Para intercambiar acciones de una película o una personalidad, hay varias opciones. Buy, sell, short y cover.Buy y Sell no tienen mucho secreto. Es la compraventa de la acción simplemente. Esta se marca en vuestro portafolio como LONG.

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En la imagen de arriba están alguna de mis acciones (no todas, no quiero desvelar todos mis secretos :P)HGAM2 es el código de la secuela de Los Juegos del Hambre. Compré 2653 acciones el día que se activó (me gasté todo lo que tenía). Costaba 70$ por acción. Ahora pasa de los 100$. A la derecha del todo podéis ver el cliching! que me ha supuesto (más de 100mil $).

Sin embargo, compré EGAME (El juego de Ender) y podéis ver que ha bajado de 51$ a 49$, lo que me ha hecho perder pasta. Los porcentajes de en medio es cómo ha ido el cambio en el día de hoy y la supercifra (147$ en este caso) es el valor real, lo que me darán si hoy vendo mis acciones.Obviamente, podéis vender solo parte de vuestras acciones y os las darán al precio actual. Ahí está la gracia ;)

Pero, ¿qué es el SHORT que aparece en los cuadros? Esta opción es para ganar dinero cuando la acción está a la baja. Es decir, es como apostar a que va a ir mal. Volvemos al cuadro de arriba. DRKTW es el código de la adaptación de La Torre Oscura. Por mucho que me duela, estas cosas se hacen con la cabeza y no el corazón (aunque yo tengo comprado a Jason Reitman y no hago más que perder pasta, pero no le pienso vender xD). Hice un short a las acciones de DRKTW y como veis ha bajado casi a la mitad de precio, por lo que yo he ganado (poco, por ser tan rácana). Lo contrario me ha pasado con The English Teacher, que le hice un short y ha subido, por lo que yo pierdo pasta.Las acciones en SHORT no son vuestras. Tenéis dinero apostado pero no habéis comprado nada, así que para dejarlas no se usa la acción Sell, sino la de Cover.

Un paso más allá: Derivados, warrants, opciones y fondos.

Estos tipos de activos funcionan bastante parecido, así que los agrupo. Tienen en común que son cosas más abstractas y mayormente efímeras. Ya estaba deseando llegar aquí para hablaros de las TV STOCKS.

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Las acciones de televisión se generan en torno a los nuevos estrenos de ficción en Estados Unidos. La compra/venta funciona igual que las películas (con long y short) pero van apareciendo y desapareciendo a medida que avanza la temporada.

En mi cuadro podéis ver que tengo Prime Suspect (PRMSPC) y Terra Nova (TERANV), ambas en short y, como han bajado de precio, me dan pasta. Antes tenía más. Compre Once Upon a Time y subió mucho tras dos episodios así que la vendí por si las moscas. Error.

En la pestañita de la web “On The Exchange” podéis ver que hay un tipo que es IDOL WARRANTS. Esas acciones se pondrán en juego cuando empiece la temporada 11 de American Idol. Os podéis imaginar cómo irá la cosa.

En la imagen también podéis ver que pone HUGO.PU. En el apartado de “ALL DERIVATIVES”, además de las de tele, cada semana se actualizan los derivados de TAQUILLA.

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Hay varias opciones así que uso ejemplos de hoy:Empiezo por The Muppets. Primero está la opción de Opening Weekend. Eso es simplemente adquirir acciones sobre la actuación de una película el primer fin de semana de taquilla (en este caso, contando de miércoles a domingo, como pone wed-sun). Puedes comprar long o short.Un poco más allá van las opciones de taquilla concreta.

En el caso de The Muppets, lo han establecido en 35mill$. Si crees que la película recaudará más que eso en el primer fin de semana, compras las acciones de CALL. Si crees que no llegará, compras PUT (como las que tengo yo de Hugo). Cuando acabe el finde y se sepa la recaudación (EN USA), ganarás o perderás la diferencia.

El último paso lo tenéis en el ejemplo con Puss in Boots. Esto son garantías de Blockbuster. Básicamente lo que compras es la seguridad de que esa película va a pasar de los 120mill$ de recaudación (en USA) durante las 12 primeras semanas tras su estreno. Son como las CALL options pero durando más.

Las OPCIONES, que es todo esto que os he estado contando, están siempre en movimiento. Siempre aparecen cosas nuevas con eventos sonados, así que hay que estar atentos. Por ejemplo, cuando los Oscar estén más cerca, seguramente aparezcan activos para apostar por los ganadores.

Lo último en derivados son los FONDOS (Movie Funds). En el cuadro donde estaban mis derivados podéis ver el código BOOKS. Esos son mis fondos derivados de las adaptaciones de libros. Cuantas más películas adaptando novelas salgan, más gente comprará y el valor sube, ergo yo gano pasta. Hay de todo, desde fondos de géneros concretos o nacionalidad de las producciones hasta fondos de productoras y distribuidoras. En la página de cada fondo hay una lista de los activos que influyen en ellos. Mirad la de las secuelas, como ejemplo, aquí.

Trucos

Las pocas recomendaciones que os puedo hacer empiezan por algo que ya he dicho: pensad con la cabeza y no con el corazón o perderéis todo vuestro dinero. Es vital estar al día de la actualidad cinematográfica y pasarse por la home de HSX a ver qué se cuece en cuanto a la bolsa del juego.

Habrá acciones que compraréis pensando a largo plazo (yo no pienso soltar la secuela de Los Juegos del Hambre hasta pasado el estreno de la primera peli) pero usad otras para ir ganando dinero a corto. Para esto son buenos los derivados, que son más inmediatos y pasajeros.

En la pestañita de Earn$ tenéis la opción de ganar algo de dinero todos los días contestando a un pequeño trivial sobre cine y sobre recaudación de taquilla. Bueno, y el Classic Cash, que ese es puro azar.

Registro y la liga de los twitteros seriefilocinéfilos

He creado una liga para los que queramos jugar a esto juntos. Es una forma de ganar dinero entre todos (de cara a otras ligas), a la vez que nos picamos por ver quién gana más entre nosotros.

Para participar, sólo necesito que me dejéis vuestro mail en los comentarios y os enviaré una invitación tanto para HSX como para la liga. Os preguntarán vuestro avatar de twitter (para reconocernos) pero si no usáis, no pasa nada, poned vuestro nick de comentar, del blog o vuestro nombre. Algo que nos deje saber quién es cada uno.

Después de todo este tostón, espero que os paséis por la web y empecéis a comprar y vender acciones de jolivú como bellacos, que no he hecho este pedazo post para nada xDSi tenéis cualquier duda, algo no ha quedado claro o queréis saber sobre cosas que no he explicado (sí, me he dejado cosas :P), estaré encantada de ayudar en la medida de mis conocimientos.

Nos vemos en los mercados!

Me muero por ver: The Hunger Games, J. Edgar y lo nuevo de Daldry

2011-11-17T13:38:00.001+01:00

THE HUNGER GAMES

¿Qué?: Cada año, el malvado gobierno del capitolio obliga a los doce distritos de Panem a enviar a dos jóvenes, un chico y una chica, a participar en Los Juegos del Hambre. Estos juegos, creados como castigo a la rebelión que hace muchos años perdió el pueblo, son televisados a nivel nacional y en él los 24 participantes son obligados a luchar y matar hasta que sólo quede uno. Esta es la premisa de la trilogía literaria de Suzanne Collins que ahora Lionsgate intenta convertir en la próxima gran saga cinematográfica.
¿Quién?: Gary Ross, director de la estupenda e ignorada Pleasantville, se aleja de su estilo habitual de historias para embarcarse en este título que se mueve entre la acción, la fantasía y el drama. Jennifer Laurence, que no para de trabajar desde su papel en Winter’s Bone, encarna a Katniss, la única y gran protagonista de la historia. Junto a ella encontramos a un numeroso casting entre los que destacan Elizabeth Banks, Stanley Tucci y Woody Harrelson.
A favor: Recientemente decidí hacerme con las novelas con algo de temor a su calidad de historia juvenil. No podría haber estado más equivocada. A pesar de ser juvenil en su esencia, la historia cuenta con personajes carismáticos, historias siniestras y un tono oscuro y algo sádico que me engancharon de principio a fin.
En contra: Una de las grandes virtudes del libro es el relato en primera persona, que consigue que el lector conecte con el personaje de Katniss y camine de su mano celebrando sus victorias, lamentando sus errores y sintiéndose frustrado por ciertos comportamientos. Cada personaje está definido desde su visión y me resulta difícil imaginar cómo han adaptado la narración. Además, con este tipo de producciones juveniles siempre hay peligro de que eliminen los aspectos más siniestros de la historia.
¿Cuándo?: A España llegará el 20 de Abril.
Pronóstico: A pesar de todo, tengo grandes esperanzas puestas en Los Juegos del hambre, ya que el material, en buenas manos, tiene cualidades para convertirse a la vez una buena película en su género, una buena adaptación y un saga de éxito comercial.

J. EDGAR

¿Qué?: J. Edgar Hoover fue el primer director de la Oficina Federal de Investigación americana (FBI) y mantuvo ese puesto durante casi 50 años. Este biopic explora la vida pública y privada de una de las figuras más enigmáticas y controvertidas del S. XX.
¿Quién? Tras dos títulos bastante alejados de la calidad a la que nos tiene acostumbrados, Clint Eastwood vuelve a ponerse tras las cámaras. Le acompaña en esta aventura Leonardo DiCaprio, un actor definitivamente alejado de su imagen carpetera que ha sabido reconducir su carrera hasta el punto de convertirse en uno de los mejores actores de su generación. Junto al absoluto protagonista se pasean otros nombres como Naomi Watts, Judi Dench o Geoff Pierson.
A favor: A pesar de sus últimas películas, Eastwood sigue siendo garantía de calidad y confío que este sea el material que necesitaba para volver a regalarnos uno de esos dramas con toques de suspense que tan bien sabe hacer.
En contra: Aunque no sea garantía de nada, cierto es que la acogida de la crítica americana ha sido considerablemente fría. Casi tanto como lo fue con Más allá de la vida.
¿Cuándo?: A España llegará el 27 de Enero de 2012.
Pronóstico: ¿Estamos ante el primer oscar de DiCaprio? Juzgando sin ver, espero que así sea. Hasta entonces me quedo con esta broma de Funny or Die sobre el tema.

EXTREMELY LOUD & INCREDIBLY CLOSE

¿Qué?:Basada en una novela de Jonathan Safran Foer, cuenta la historia de un niño que pierde a su padre en los ataques del 11 de Septiembre. Desconectado de su destrozada madre y convencido de que su padre le dejó un mensaje escondido, se embarca en una búsqueda por la ciudad de Nueva York.
¿Quién?: Con una filmografía brillante, Stephen Daldry vuelve con una historia emotiva y, probablmente, lacrimógena acompañado del guionista de maravillas como Forrest Gump o El Dilema. En el reparto nos encontramos con Tom Hanks, Sandra Bullock, John Goodman, Viola Davis, James Gandolfini, Max Von Sydow y el debutante Thomas Horn como el niño protagonista.
A favor: ¿Habéis visto esas credenciales? Tras Las Horas, El Lector y Billy Elliot, con Eric Roth escribiendo y esos aires de drama existencial , estoy totalmente vendida a Extremely Loud and Incredibly Close. Más currículum es el autor de la novela, también artífice de Everything is Illuminated, una película muy peculiar y recomendable también basada en su obra.
En contra: Me cuesta pensarlo pero este tipo de historias de niño descubriendo cosas de la vida pueden ser demasiado almidonadas si se van de las manos. Pero tengo confianza plena en sus autores.
¿Cuándo?: A España llegará el 17 de Febrero.
Pronóstico: Insuperable.

Me despido con vídeos de otras grandes esperadas como Brave, de la que ya habló mi compañero Daniel, que ya tiene nuevo trailer y A Dangerous Method, la nueva película de David Cronenberg . Aún tengo pendiente hablar de ella, pero no perdáis la vista a Shame, fantástica cinta de Steve McQueen, sin duda uno de los mejores títulos del 59 Festival de San Sebastián.

Arranca la décima edición de Notodofilmfest

2011-11-16T12:39:00.001+01:00

Notodofilmfest inicia su décima edición con la apertura de convocatoria de cortometrajes, en una edición que incorpora nuevos premios de producción, distribucióny formación.

Desde su creación en 2001, el festival ha servido como plataforma de lanzamiento a más de 8.000 jóvenes realizadores de 32 países. Más de 19 millones de películas vistas en la red avalan un proyecto que afronta su segunda década de vida convertido en una de las referencias del cine en formato corto.

El festival repartirá en esta edición un total de 15 galardones que incluyen premios en metálico, proyectos de producción audiovisual, becas de formación y material pedagógico y formativo por valor de más de 50.000€. El jurado de la décima edición está formado por el fundador del festival, Javier Fesser, y los cineastas Juan Carlos Fresnadillo, Jaume Balagueró, Daniel Calparsoro, Víctor García León y Patricia Ferreira, que realizarán un corto en las mismas condiciones que los participantes.

Los galardones incluyen el Gran Premio del Jurado y premios en metálico al Mejor Cortometraje de Animación, Documental, Triple Destilación (mejor corto de 30 segundos), Guión e Interpretación masculina y femenina.Completan los galardones el Premio Tuenti del Público, el Premio del Box Office, el Premio Filmin y el Premio de Distribución Agencia Freak

Pueden participar en Notodofilmfest realizadores mayores de 18 años. El plazo de entrega de cortometrajes finaliza el 31 de enero de 2012. Los ganadores se darán a conocer en abril del próximo año

Toda la información, plazos y vídeos de presentación lo podeís encontrar en la página oficial.

Las películas de Gantz en pantalla grande!

2011-11-11T18:37:00.001+01:00

Tras su exitoso paso por el Festival de Sitges 2011, los Cinemes Nàpols de Barcelona nos ofrecen la oportunidad de ver Gantz y su secuela, Perfect Answer en pantalla grande. Este manga de Hiroya Oku ha sido todo un éxito y tuvo también una adaptación a anime que se emitió por todo el mundo.

Ahora, de la mano de Shinsuke Sato, nos llegan estos live-action protagonizados por Kazunari Ninoyima (a quien vimos en Cartas desde Iwo Jima de Clint Eastwood) y Kenichi Matsuyama, de Tokyo Blues.

A partir del 25 de noviembre, ambas películas que conforman la saga se podrán ver en los cines Nápols de Barcelona en tres pases diarios, Gantz a las 16h y Gantz: Perfect Answer a las 18:30h y las 21:30h. El precio de las entradas será de 5€ en días laborables y 7€ en fin de semana.

¡Pero esto no es todo! Mediatres Studio, distribuidora de las películas, quiere organizar una fiesta en torno a este estreno y todos aquellos que asistan al visionado haciendo cosplay (es decir, disfrazados de algún personaje o elemento del mundo manga-anime) recibirán códigos promocionales que les proporcionarán un 20% de descuento en cualquier compra hecha en la tienda online de Media 3 Store. Las compras superiores a 10€ tendrán envío gratis y un poster de regalo de la película adquirida.

Por si no sabéis de qué trata Gantz, aquí os dejo las sinopsis oficiales.

“GANTZ”:

Kei Kurono (Kazunari Ninomiya) y Masaru Kato (Kenichi Matsuyama) son dos jóvenes que son atropellados juntos por un tren, pero en lugar de morir aparecen sin ninguna explicación en un apartamento vacío, junto con otras personas igual de desorientadas que ellos. El apartamento no está vacío ni mucho menos; una misteriosa esfera de color negro llamada Gantz les confirma que todos han muerto y están obligados a participar en un mortal juego en el que tendrán que luchar contra unos monstruos alienígenas. Como ayuda contarán con unos trajes y armas especiales que les conferirán súper-poderes, y con los que serán capaces de enfrentarse a estas invisibles amenazas para el resto de mortales. ¿El objetivo final? Ser el número uno en puntuación y conseguir así un billete de vuelta entre los vivos.

“GANTZ: PERFECT ANSWER”:

El detective Shigeta (Takayuki Yamada) investiga las misteriosas desapariciones de personas que están teniendo lugar, además de perseguir a una extraña secta que busca el pequeño orbe negro.

Mientras tanto, Kei Kurono (Kazunari Ninomiya) continúa su aventura matando a aliens para lograr alcanzar la puntuaión máxima, mientras se dedica a cuidar del hermano de Kato (Kenichi Matsuyama). Pero de pronto Gantz empieza a actuar de forma extraña y las normas que rigen la batalla dan un vuelco.

Para los que, como yo, no puedan ir a estos cines a disfrutar de las películas en pantalla grande, Gantz ya está a la venta en DVD y Perfect Answer se podrá adquirir a partir del 29 de Noviembre.

Déjate arrastrar por la Melancolía.

2011-11-04T14:37:00.001+01:00

Lo reconozco: me gusta Lars Von Trier. Es un director que sabe castigar al espectador y transmitir todo tipo de sentimientos a la vez que tortura a sus protagonistas, generalmente femeninas. Tras Anticristo, estaba algo desencantada con un director que tanto me había emocionado con títulos anteriores pero ese no es más que un borrón en una carrera brillante en la que Melancholía conquista un puesto privilegiado.

Melancholia tiene dos grandes partes diferenciadas. En una encontramos a una sutil y estupenda Kristen Dunst, una joven que celebra su reciente matrimonio junto a su familia en un gran caserón. Justine es depresiva y, por mucho que lo intenta, le es difícil negar su naturaleza. En la segunda parte nos encontramos con Clare, magnífica Charlotte Gainsbourg, la hermana de Justin que trata de lidiar con ella a la vez que intenta ignorar que hay un planeta que se acerca a la tierra amenazante con chocar contra ella y acabar con toda vida.

Al igual que comentaba con Another Earh, Lars Von Trier usa aquí el elemento fantástico como metáfora para explicar y condicionar los sentimientos de sus dos protagonistas. También comparando con otra maravilla reciente, El árbol de la vida, Melancolía cuenta sentimientos, sensaciones y conceptos abstractos y consigue transmitirlos con la estética, la fotografía, las sutilezas de sus actrices y el recurso de la ciencia ficción.

Instrucciones de uso: Von Trier recurre aquí a un ritmo pausado y contemplativo que combina con un tono intenso y dramático. Es una de esas películas que hay que saber lo que uno va a ver e ir con el humor adecuado.

Melancolía atrapa desde sus magistrales y polémicos primeros minutos y mantiene al espectador anclado en un relato rebosante de detalles, momentos especiales y metáforas que son capaces de resumir un sentimiento con un gesto o una historia con una secuencia. Esa limusina atascada en el camino al arranque del film es un claro ejemplo de esto último. Se estrena hoy mismo 4 de Noviembre.

Verbo: La importancia del tono.

2011-11-03T16:54:00.001+01:00

Tras varios cortometrajes, Eduardo Chapero-Jackson se ha estrenado en el mundo de los largos con Verbo, una historia sobre una joven adolescente que se siente sola e incomprendida ante el mundo que le rodea y decide poner fin a todo. Pero hay alguien ahí fuera que llama su atención, Líriko, un hombre que hará lo que esté en su mano para evitarlo.

La idea de Verbo era buena: crea una mitología en torno a ese mundo del suicidio. Aprovecha los motivos que llevan a ello y las razones o pensamientos que pueden llevar a alguien a superar ese bache. Sin embargo, este planteamiento se abandona absolutamente al servicio de un tono para adolescentes intensos con excesiva y obvia moralina.

Asumiendo que esta aproximación a la historia es completamente consciente y comercialmente comprensible, esta producción de estreno tardío (lleva año y medio en el cajón) tiene numerosos tropiezos en su intento de ser moderna y joven. La estética es resultona aunque obvia y ese envoltorio medio rapero resulta impostado en muchas ocasiones, algo a lo que no ayudan los diálogos en rima generalmente risibles.

Instrucciones de uso: Es obvio que no soy el público y no me extrañaría ver que este título patrio triunfase entre esa población adolescente similar a su protagonista al igual que han lo conseguido vampiros y hombres lobo intensos de la saga Crepúsculo.

Evaluando ya independientemente del tono, el arranque de la historia es extremadamente lento y la expectativa que genera en un inicio se va esfumando poco a poco hasta convertirse en impaciencia tras más de media hora de introducción.

Verbo probablemente sea una película más que válida para el público al que está dirigida, pero carece de cualquier intento de resistirse a abandonarse a los efectismos, moralismos y dramatismos propios de ese universo para otorgarle a la película algún valor añadido. Se estrena mañana 4 de Noviembre.

La correcta guerra de los botones

2011-11-01T12:14:00.000+01:00

En 2004, Christophe Barratier me regaló esa fábula encantadora que es Los Chicos del Coro, cuya banda sonora tarareo y chapurreo a pesar de no saber más frances que el típico Voulez-vous coucher avec moi ce soir. Es por eso que, cuando Sensacine me invitó al visionado de su nueva película, adaptación de la novela de Louis Pergaud, no me lo pensé dos veces.

La nouvelle guerre des boutons nos lleva a un pequeño pueblo francés en 1944 donde, mientras la segunda Guerra Mundial sacude el mundo, los niños de la zona libran su propia batalla con un pueblo vecino. Con este planteamiento, Barratier introduce más elementos en el juego que van desde una niña judía huyendo de los nazis hasta revoluciones ocultas en la sombra.

La guerra de los botones es una historia entrañable, protagonizada por niños que parecen una versión a medio gas de aquellos coristas, que comienza como una fábula infantil de aventuras pero se pierde en su intento de reflexionar sobre algunos aspectos que el entorno histórico pone sobre la mesa. Estas dos líneas no convergen de forma natural ni satisfactoria, las secuencias de los adultos ni cuadran ni interesan y el resultado final es una desconexión total de todo lo que ocurre en la película.

Instrucciones de uso: A pesar de todo, lo nuevo del francés es entretenido y tiene algún punto cómico que provocó risas en la sala. Aunque fallida en sus pretensiones, no deja de ser un título correcto que se deja ver.

En el reparto destacan caras conocidas del cine francés como el últimamente multiempleado y polifacético Guillaume Canet, directo de Pequeñas mentiras sin importancia y actor en El Caso Farewell, ese título de 2009 que ha tardado dos años en llegar a España. También encontramos a Kad Merad y Gérard Jugnot, ambos en Los Chicos del Coro, o la aparición fugaz de Laetitia Casta.

La guerra de los botones es uno de esos títulos que caminan en el limbo del “sin más”. Una película lo suficientemente entretenida para que se deje ver y lo suficientemente insípida para resultar olvidable. Se estrena en España el viernes 11 de Noviembre. Aquí os dejo el trailer en Español (que casi me sangran los oidos al oír como han doblado a la niña).

Una historia de Hollywood en TCM Clásico

2011-10-20T15:42:00.004+02:00

Cuenta la leyenda que Hollywood se convirtió en la meca del cine gracias a un día de lluvia. A finales de diciembre de 1913, un tren se detuvo en una pequeña ciudad de Arizona llamada Flagstaff. De él bajaron los miembros de una productora cinematográfica que pretendían rodar en ese lugar un western titulado The Squaw man, dirigido por un joven Cecil B. DeMille. Flagstaff recibió a esos pioneros del cine con frío y una gran tempestad de agua y viento, así que el equipo decidió continuar su viaje hasta el final del trayecto, un apeadero cerca de Los Ángeles llamado Hollywood en la soleada California.

The Squaw Man está considerado el primer largometraje filmado íntegramente en Hollywood, pero lo cierto es que desde varios años antes ya se rodaban en ese lugar algunas escenas y pequeñas películas para el cine. De hecho, el 27 de octubre de 1911 se había fundado allí el primer estudio cinematográfico.

Coincidiendo con este aniversario, TCM Clásico quiere celebrar el primer centenario de Hollywood con el estreno del documental de producción propia Magnates y estrellas: una historia de Hollywood; siete capítulos que repasan las distintas transformaciones que ha vivido la capital del mundo del cine desde la llegada de las primeras productoras y el nacimiento de los grandes estudios hasta finales de los años sesenta, cuando una nueva generación de cineastas y de estrellas tomó definitivamente el relevo al Hollywood clásico.

A lo largo de estos siete episodios y con la voz del actor Christopher Plummer como narrador, Magnates y estrellas: una historia de Hollywood nos relata cómo se fue creando paso a paso ese imperio cinematográfico gracias a la pasión y la ambición de hombres como Jack Warner, Samuel Goldwyn o Louis B. Mayer; el talento de directores como John Ford, Alfred Hitchcock y Orson Welles, entre otros muchos, y el rostro de estrellas como Clark Gable, Cary Grant, Spencer Tracy, Marilyn Monroe o Bette Davis, que llevaron a todos los rincones del planeta miles y miles de historias que hicieron soñar a millones de personas.

Magnates y estrellas: Una historia de Hollywood termina su andadura en 1969, año en el que se rodó el filme Easy Rider, dirigido por Dennis Hopper, y que simboliza de alguna forma el cambio cultural y de costumbres que se había producido en Estados Unidos en los últimos cincuenta años. Era el fin del antiguo mundo de Hollywood. Un mundo que nació casi de forma casual debido al mal tiempo porque, si no llega a llover un día de diciembre de 1913, ¿quién sabe?, quizá Hollywood se llamaría hoy Flagstaff.

Lunes, 24 de octubre:
21:30h 1. Los pioneros del cine

Martes, 25 de octubre:
21:30h 2. El nacimiento de Hollywood (1907-1920)

Miércoles, 26 de octubre:
21:30h 3. Mercaderes de sueños (1920-1928)

Jueves, 27 de octubre:
21:30h 4. ¿Tienes un sueño de sobra? (1929-1941)

Viernes, 28 de octubre:
21:30h 5. Guerreros y pacifistas (1941-1950)

Sábado, 29 de octubre:
21:30h 6. El ataque de las pequeñas pantallas (1950-1960)

Domingo, 30 de octubre:
21:30h 7. El nuevo Hollywood (1960-1969)

Cines Verdi presenta VERDI NIGHTS

2011-10-19T12:45:00.011+02:00

Los Cines Verdi, con salas en Madrid y Barcelona, inauguran este fin de semana una propuesta interesante dedicada a recuperar algunos títulos cinematográficos que en su día pasaron desapercibidos, otros que nunca se estrenaron en salas e incluso clásicos remasterizados.

Las Verdi Nights se celebrarán cada noche en la sesión de las 22:00h a un precio de 5,50€. Por supuesto, todas las proyecciones se harán en versión original subtitulada y la propuesta se divide en distintas secciones que se irán turnando semanalmente y son:

Asian Club: Una selección de cine asiático.
Classics Club: Títulos del cine más clásico del que, generalmente, se proyectarán en su versión remasterizada.
Horror Club: Cine de terror que abarcará todas las épocas, desde los clásicos más renombrados hasta los estrenos más recientes.

Este viernes 21 de Octubre será Asian Club el que inaugure las noches Verdi. Esta sección se centrará en producciones asiáticas recientes que han destacado en festivales de todo el mundo pero no han visto hueco en las salas españolas, que han demostrado un rechazo sistemático al cine oriental. Mediatres Estudio, sello encargado de importar y distribuir cine asiático en España, es el principal colaborador en esta sección.

I Saw the Devil, de Kim Jee-Woon es la película elegida para inaugurar el Asian Club, un thriller coreano muy recomendable que se presentó en San Sebastián el año pasado y del que hablamos aquí.

Aún no han ofrecido información sobre el resto de secciones ni las películas que se podrán ver, pero lo que sí sabemos es que Confessions, de Tetsuya Nakashima, será la próxima película que se proyectará en el Asian Club. Este thriller psicológico ha sido seleccionado por Japón para optar al Oscar a mejor película de habla no inglesa. En La Última Peli también os hablamos de ella.

La verdad es que es fantástico ver como los cines poco a poco abren miras a un público más concreto y exigente que busca cine más allá de la simple propuesta comercial. El simple hecho de que algunos de los multicines más grandes de las ciudades dediquen alguna que otra sala a proyectar cine en versión original aumenta las esperanzas de conseguir esa oferta variada tan necesaria. Ya solo nos queda que este tipo de proyectos se abran a ciudades de toda España más allá de las grandes urbes.

Para más información sobre estos ciclos, habrá que permanecer atentos a la web oficial de los cines. Ahí podréis consultar también otras actividades como los domingos de Verdi Kids

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[44 ed. Sitges] ¿Podrás volver a dormir tranquilo?

2011-10-14T12:51:00.004+02:00

Los psicokillers han dado mucho juego en la historia del cine. En Mientras Duermes, Jaume Balagueró no teme inspirarse en grandes perturbados como Norman Bates o Hannibal Lecter a la vez que inyecta personalidad en fondo y forma a este sobresaliente thriller psicológico.

Luis Tosar es César, un portero de edificio servicial y educado por el día y meticuloso y frío acosador por la noche. Clara, Marta Etura, vive en uno de los apartamentos del bloque sin darse cuenta del escrutinio que César hace de su vida, aunque ella no es la única víctima de los actos retorcidos del portero.

Tras disfrutar de títulos como [REC] o Para entrar a vivir, Balagueró me sorprende con este oscuro, íntimo e inquietante thriller psicológico en el que el espectador camina de la mano de un personaje perturbador y magnético a la vez. Huyendo del abuso de sobresaltos, de música tramposa y de clímax forzados, el guión se esfuerza en atraparnos en la tensión constante que resulta del permanente peligro a ser descubierto y de la angustia que provocan los actos del protagonista. Ese suspense que nace en los primeros minutos de metraje va creciendo, lento pero seguro, sin desperdiciar el nerviosismo del espectador que, cuando llegan los escasos pero intensos puntos álgidos de la historia, tiene tanta inquietud acumulada que lo vive con gran excitación.

A este nivel de tensión hay que sumarle esa dualidad tan complicada de manejar en la que se encuentra una audiencia por un lado consciente de la maldad de César y por otro inclinada hacia ese hombre al que han ido acompañando durante toda la película. Empatizar con el antagonista siempre es divertido.

Instrucciones de uso: Mientras duermes juega con un suspense muy sutil que surge lentamente de la naturaleza enfermiza de los actos del protagonista, por lo tanto se aleja de otros psicokillers más agresivos como podría ser Freddy Kruger.

Mientras Duermes ha sido uno sin duda uno de los mejores títulos que he podido disfrutar en el Festival de Sitges, un thriller fantástico y muy distinto a lo que estamos acostumbrados a encontrarnos últimamente en este género, sobretodo entre las producciones patrias. Se estrena hoy mismo, 14 de Octubre. No volveréis a ir a la cama tranquilos sin mirar antes debajo de la cama.

[59 ed. SS] La receta (casi) perfecta de Nadine Labaki

2011-10-10T18:00:00.010+02:00

"Nadie sabe nada" es una de las grandes máximas de la industria del cine. Sólo unos pocos elegidos tienen la receta perfecta para enamorar a las audiencias con películas que facilmente reciben la etiqueta de fáciles y populistas.... pero, si son sencillas, ¿por qué es tan difícil conseguir una película que guste a todo el mundo? Con la maravillosa dramedia Y ahora, ¿adónde vamos? la todo-en-uno Nadine Labaki (directora, productora, guionista, actriz) entra definitivamente en ese grupo de elegidos que saben qué es lo que le gusta al público y no tiene problema alguno en dárselo.... por mucho que en ocasiones pueda acabar con uno de estos realizadores haciendo concesiones a la platea que traicionan algunos de los planteamientos y ambiciones artísiticas que podrían alcanzar si no estuviesen tan desesperados por alcanzar la aprobación del público.

La populista propuesta de Labaki presenta un ambicioso punto de partida: la lucha de un grupo de mujeres por evitar que sus maridos e hijos echen su vida a perder por un lamentable conflicto religioso (entre cristianos y musulmanes) que se les escapa pero que acaba con muchos de ellos bajo tierra. Con una premisa como esta, cualquiera podría esperar una película intensa y densa... pero el desarrollo de la historia va por un camino muy distinto. A través del realismo mágico, la comedia, el drama más oportunisma o incluso varias secuencias musicales (la única parte que me cojea en toda la película), se nos presenta de un modo muy inteligente y al mismo tiempo muy ameno, digerible y ocasionalmente fascinante un conflicto que marca a la sociedad libanesa en particular y la oriental en general: la religión.

Instrucciones de uso: Es momento de dejar los prejuicios en casa y acudir a las salas para darnos cuenta de que hay más cine popular (y populista) más allá de las fronteras del blockbusters. Labaki demuestra en su nueva película que no hay que dejar de lado al público para contar historias ambiciosas y con trasfondo. Una película mágica.

La cineasta libanesa se ha quedado en su segunda participación en el festival donostiarra (su casa, como ella ha manifestado en varias ocasiones ya) a las puertas de repetir el premio de la audiencia que ya consiguió con Caramel. No obstante, el máximo galardón conseguido por ¿Y ahora dónde vamos? en el cada vez más importante y clave festival de Toronto (sus tres últimas ganadoras optaron al Oscar a mejor película, dos lo ganaron) consagra a la cinta de Labaki como una de las películas clave de los próximos meses y una favorita en la carrera por el Oscar a la mejor película de habla no inglesa.

La magia del cine permite que, en ocasiones, conectemos con el universo y la forma de contar historias de cineastas que son capaces de convertir conflictos locales y personales en historias universales con las que todos podamos identificarnos. Nadine Labaki es una de esas cineastas. ¿Y ahora dónde vamos? es una película imperfecta, pero se siente, se vive y se contagia. Imprescindible.

Alta Films estrenará ¿Y ahora dónde vamos? en España el próximo 13 de enero.

[44 ed. Sitges] Explorando nuestra Otra Tierra...

2011-10-09T17:35:00.007+02:00

Another Earth llega a Sitges tras triunfar en el festival de Sundance, donde fue galardonada con el premio Alfred P. Sloan y la mención especial del jurado en el apartado de ficción. En ella conocemos a Rhoda y John, dos personas perdidas que comparten un suceso trágico que les afecta de forma muy distinta. Al mismo tiempo, aparece en el cielo una nueva tierra que parece ser un espejo de la nuestra.

Mike Cahill escribe junto a Brit Marling (quien también interpreta el papel principal) una historia de tragedias y culpas donde la ciencia ficción sirve como metáfora indispensable para comprender y acompañar a los personajes en su camino de redención y superación. Esa tierra espejo pesa sobre ambos protagonistas, que se preguntan si sus otros yo habrán sufrido el mismo destino que ellos. El propio Cahill hacía referencia a La doble vida de Verónica como una de sus inspiraciones y referentes para esta película.

Al igual que contaba Vigalondo en San Sebastián a raíz de Extraterrestre (podéis escuchar un corte en el especial Donostia de Esta peli ya la he visto), el realizador estadounidense concibe la ciencia ficción como un vehículo para narrar otro tipo de historias y, como en este caso, complementarlas y completarlas.

Intrucciones de uso: En esta producción independiente, el fondo escapa al muy bajo presupuesto, algo que la forma no puede, por lo que es intimista y pausada. Personalmente disfruto mucho con este estilo de narrar pero, ya que el trailer oficial vende algo considerablemente distinto a lo que luego os encontraréis al ver la película, he considerado adecuado hacer la aclaración.

Además de un guión repleto de detalles, referencias y metáforas, destacan el uso de una música electrónica y melancólica que, junto a una fotografía que juega con el frío y el calor, acompañan al tono desconsolado y triste de una historia en la que es otra tierra la que ofrece un atisbo de esperanza.

En el siguiente vídeo de la rueda de prensa en Sitges, Mike Cahill habla de la simbología en la secuencia de la sierra musical, el uso de la música para reforzar conceptos y cómo el aspecto visual va evolucionando a la vez que los personajes.

Another Earth pone sobre la mesa la tristeza de la pérdida, el rechazo a la autoindulgencia y la superación como resultado de una ecuación matemática de los miedos y traumas de dos personas.

PD: Tras San Sebastián, ahora estoy a tiempo completo en el Festival internacional de cine fantástico de Sitges. No temáis, más críticas de las películas vistas en ambos festivales están por venir… Sólo necesito tiempo.

Se busca director de película

2011-09-27T10:57:00.003+02:00

La productora Cronopia Films busca un director para su nueva película: Blue Lips, una película coral bajo el mando de las productoras de "Nevando voy", Candela Figueira y Maitena Muruzábal.

Blue Lips nace de la necesidad de explorar nuevos caminos en la producción cinematográfica. A través del ingenio, la creatividad y los nuevos medios de comunicación como la página web www.bluelipsthemovie.com y las redes sociales, Facebook y Twitter, Cronopia Films emprende este proyecto experimental.

En 2001 unos jóvenes estudiantes de cine, procedentes de todo el mundo se conocieron en Los Ángeles. Diez años después, tras diversas experiencias profesionales y personales, se vuelven a reunir con el objetivo de crear un largometraje juntos.

La película, que se rodará el próximo año, cuenta la historia de seis personajes que se encuentran por todo el globo: Buenos Aires, Honolulu, Roma, Río de Janeiro, Los Ángeles y Pamplona, y cada una de las historias será realizada por un director local. Es en Pamplona donde todos los personajes, por diversos motivos, acaban. En este viaje a San Fermin 2012 convergen todas las historias y todos los directores coordinarán el rodaje del desenlace de esta producción.

El largometraje cuenta actualmente con cinco directores, entre los que destaca el español Álvaro Ron, que se encargará del rodaje en Roma. Junto con los directores argentinos Daniela De Carlo, Julieta Lima y Martín Mouriño y el peruano Nobuo Shima, el sexto director, residente en España, tendrá la oportunidad de trabajar en un proyecto innovador.

Desde el 21 de septiembre está abierta la convocatoria en la web oficial, donde pueden verse las bases del concurso, para optar a ser elegido el director. Los participantes tienen hasta el próximo 30 de noviembre para hacer llegar un vídeo en el que detalle sus experiencias tras la cámara.

[59 ed. SS] Mayordomos, sectas y mujeres coraje.

2011-09-23T13:14:00.010+02:00

Aquí sigo en el lluvioso San Sebastián que tanto echaba de menos y hoy toca repaso rápido a las proyecciones de un ajetreado segundo día. Además de las películas, estoy asistiendo a ruedas de prensa, encuentros y entrevistas que también tengo pensado aprovechar para hacer algunos post donde exprima lo más interesante.

Amen

Tras Hierro 3 y Primavera, verano, otoño, invierno, esperaba con ciertas ganas el nuevo título de Kim Ki-Duk, que ha resultado ser una broma pesada de un director que ni siquiera ha tratado de ocultarlo durante la rueda de prensa, en la que afirmó que sólo quería demostrar que cualquiera puede hacer una película con presupuesto 0. Amen sigue a una chica coreana que viaja a Europa en busca de otra persona y acaba sufriendo numerosas e interminables penurias que mantienen impasible a una actriz demasiado contenida para las circunstancias. El realizador Coreano utiliza para su burla recursos del cineasta Indie amateur como el tan molesto uso nulo de la elipsis. La historia pierde el norte, no aporta nada y pone la guinda con un final tan irritante como pretencioso. 70 minutos insufribles.

Et maintenant on va ou?

Qué delicia es ver una película como ésta. Nadine Labaki vuelve al festival de San Sebastián tras triunfar hace unos años con Caramel. Esta vez, Labaki nos habla del absurdo de los conflictos religiosos a través del grupo de mujeres de un pequeño pueblo libanés en el que recientemente han hallado la paz y conviven felizmente cristianos y musulmanes. La historia no se pierde en demagogias sino que se deja llevar por un tono amable y la convierte en una fábula entrañable, cómica y cercana pero tampoco prescinde de algún que otro momento dramático e incisivo. Et Maintenant on va oú es un gran ejemplo de por qué disfruto cada año de un festival en el que se pueden ver grandes películas que hablan de cosas importantes e internacionales de una forma accesible para todo el mundo. Esperemos que tras ganar el premio del público en el festival de Toronto, y estando a punto de ganar el de Donostia, podamos ver esta maravilla de Nadine Labaki en algunas salas españolas.

Albert nobbs

Glenn Close, premio Donostia de este año, presenta su nueva película en la que vuelve a trabajar con Rodrigo García. La actriz vuelve a ponerse en la piel de Albert Nobbs treinta años después y resulta sin duda lo mejor de este recto drama inglés de época. Sorprende esta sobriedad en Rodrigo García, un director acostumbrado a entregar visiones intimistas de sus personajes (In Treatment, Cosas que diría con solo mirarla) y que sólo se entrega a este estilo en los momentos más personales del personaje protagonista. La historia Nobbs conecta con el espectador desde el primer momento y mantiene el interés durante todo el metraje, ofreciendo momentos realmente emotivos. Sin embargo, la historia de los dos jóvenes es culebronesca, aburrida y

Martha Marcy May Marlene

Una joven es embaucada y entra a formar parte de una secta que le inculca sus propios valores morales y la forma de percibir la existencia. La película nos muestra cómo acepta de forma natural estos cuestionables valores y cómo le afectan una vez escapa de esa vida. ¿Cómo puede encajar en una sociedad de valores encorsetados? ¿Estamos nosotros en la posición de juzgar su forma de ver la vida cuando la nuestra propia tiene multitud de defectos? La ópera prima de Sean Durkin quiere reflexionar sobre todo esto desde el punto de vista de una confusa Martha pero se pierde en sus propios formalismos visuales de drama intimista y el rimo pausado dejando escapar todas las posibilidades del planteamiento. Lo que vemos en la película fácilmente se podría haber concentrado en menos metraje y haber explorado más los orígenes y consecuencias del trauma del personaje estupendamente interpretado por Elizabeth Olsen.

Little Odessa

Para estrenar la retrospectiva de cine americano del festival, decidí hacerlo con esta película de 1994 de James Gray. Tenía pendiente este título y, además de acordarme de que Eduard Furlong existía, ha sido una grata sorpresa dentro de un género en el que unos pocos afortunados son capaces de destacar. Little Odessa, más que otra cosa, es un drama familiar negro en el que los conflictos mafiosos son sólo una excusa para estructurar la trágica historia de los Shapira, la ausencia de cohesión, la búsqueda de esa conexión y del orgullo de aquellos que comparten tu sangre. Un film que todo amante del género no debe menospreciar.

Nos vemos en el próximo repaso. No me tengáis muy en cuenta el retraso, estoy viendo 5 y 6 pelis diarias :P

[59 ed. SS] Intrusos, árboles y malvados.

2011-09-19T13:14:00.004+02:00

Como cada año, he asistido al Festival Internacional de Cine de San Sebastián. Bueno, corrijo, estoy asistiendo. En tres días estoy ya cerca de las veinte películas y el ritmo de proyecciones, pases de prensa, entrevistas y encuentros con los directores y actores está impidiendo que tenga tiempo de pisar la sala de prensa para escribir unas líneas.

Por no dejar a ciegas el blog hasta que disponga del tiempo suficiente para escribir críticas con propiedad, he decidido hacer unos repaso rápido a lo visto cada día. Comienzo con las películas del viernes 16.

Intruders
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Juan Carlos Fresnadillo presenta su nueva película e inaugura una de las ediciones con más variedad de géneros de los últimos años. Aunque el drama familiar es interesante, el guión no aprovecha el fondo que tiene la historia, lo profundo del secreto y el origen de lo sobrenatural de la historia. Todos estos elementos ceden terreno al terreno al thriller psicológico que sí que aprovecha las posibilidades de generar tensión en el espectador. Intruders se queda en algo correcto muy lejos de los excelentes trabajos anteriores del director.

The Tree of life
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En este caso, mi idolatrado Terrence Mallick no decepciona y nos regala una absoluta maravilla visual y conceptual en El árbol de la vida. Mallick sigue fiel a su estilo y forma de narrar las historias, tomándose así su tiempo para exponer las ideas sobre las que reflexiona recreándo al espectador con poesía, metáforas, verdades y pensamientos mediante imágenes que transmiten a la perfección sensaciones, sentimientos y una atmósfera melancólica y, a la vez, esperanzadora. Mallick reflexiona sobre la vida, la fe, la infancia, la muerte y lo que nos convierte en lo que somos. Impresionantes los primeros 40 minutos, la banda sonora de Alexandre Desplat y una fotografía aferrada a un ocaso permanente.

No habrá paz para los malvados
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Enrique Urbizu se atreve de nuevo con el cine de género. Con una narrativa visual excelente que tapa algunas (no todas) grietas de guión, esta vez se atreve con una mezcla de cine negro y western que resulta refrescante en el panorama nacional. José Coronado está magnífico, creerlo, en la piel de un antihéroe hundido que provoca un maremágnum de investigaciones, asesinatos y burocracias durante una borrachera. Aunque el resultado final es satisfactorio y la historia tiene buen ritmo, el desarrollo del caso es bastante torpe en su tramo intermedio y desconecta al espectador. Elena Miquel, protagonista femenina de la cinta, está muy plana en un personaje que podría haber dado mucho más. Con todo, No habrá paz para los malvados es cine patrio de lo más recomendable.

Con derecho a roce (y unas cuantas sonrisas)

2011-09-17T16:46:00.000+02:00

Truman Capote e Infamous. Armageddon y Deep Impact. Silverado y Wyatt Earp. Volcano y Un pueblo llamado Dante's Peak. Todas estas producciones tienen algo en común: sólo un puñado de meses ha separado el estreno de dos películas con una temática en común. Antes de que el próximo año veamos hasta ¡¡tres!! revisiones del cuento de Blancanieves y los Siete Enanitos, ya tenemos el díptico romántico del 2010: las comedias románticas, presumiblemente ácidas y divertidas, Sin compromiso y Con derecho a roce, rom-com que aqui nos ocupa. Justin Timberlake y Mila Kunis, secundarios de lujo de las dos mejores películas del pasado año (La red social y Cisne Negro), son sus atractivos protagonistas.

La evolución de las relaciones sociales, concretamente las sentimentales, ocupan el centro de esta comedia romántico - sexual. Se agradece que dejen de lado las patochadas que han caracterizado las películas más recientes de actrices como Katherine Heigl o Kate Hudson, pero lo cierto es que Con derecho a roce aborda, con menos éxito, la complicada línea que separa la amistad del sexo que tan brillantemente trazaba hace veinte años Cuando Harry encontró a Sally. Han pasado veinte años desde que se estrenase la comedia de Rob Reiner, pero pocas películas del género rozan el nivel de una divertidísima cinta que funcionaría como presagio de las relaciones personales en el cambio de siglo.

Sin olvidar que estas películas son mucho menos rompedoras y originales de lo que quieren hacer creer al público, Con derecho a roce entretiene y logra sacar más de una carcajada en sus acertados dos primeros actos. Cultura pop, sensualidad y chistes muy de nuestro tiempo (y no en el mal sentido del término, un buen ejemplo son los chistes de las aplicaciones de los smartphones que aparecen en la película) se dan de la mano en un conjunto que se queda por debajo de la anterior película del director y coguionista Will Gluck. Su Rumores y Mentiras , la película que reveló a la estupenda Emma Stone, es más redonda y divertida, pero la película de Kunis y Timberlake (que demuestran una química bastante correcta como pareja) es muy efectiva a pesar de sus tópicos, los inevitables protagonistas del previsible acto final de la historia. Conociendo el género como nos lo conocemos, no esperábamos otra cosa... pero qué gusto da llevarse una agradable sopresa, ¿no? Pues no es el caso.

Instrucciones de uso: No apta para aquellos que esperan algo más complejo, profundo y ambicioso del cine romántico (Beginners y 500 días juntos son dos ejemplos recientes), Con derecho a roce se eleva ligeramente por encima de la media del maltrecho cine romántico. Una buena química en pantalla de la pareja protagonista y una cantidad suficiente de gags cubrirán las necesidades y aspiraciones de los fanáticos del género.

Los más cínicos tienen por delante un producto que en cierto modo se queda a medio camino de lo que promete, pero que definitivamente funciona mejor que su rival y predecesora Sin Compromiso. Se esperaba algo más del nuevo trabajo de Gluck, no obstante.

Cómo acabar con tu jefe

2011-09-16T18:39:00.000+02:00

¿Quién no ha deseado alguna vez llegar una mañana a la oficina y enterarse de que su jefe ha desaparecido? Nick (Jason Bateman) lleva ocho años aguantando a Dave (Kevin Spacey), el psicópata de su jefe. Le ha puteado hasta límites insospechables y cuando Nick no recibe el ascenso que merece, decide borrarle del mapa. Kurt (Jason Sudeikis) es feliz en su trabajo y tiene una relación envidiable con su jefe (Donald Sutherland) pero cuando éste sufre un infarto, el futuro de la empresa recae sobre el colgado imbécil de su hijo Bobby (Colin Firth), que piensa exprimir todo el dinero que pueda mientras le jode la vida a Kurt. Dale (Charlie Day) es asistente de Julia (Jennifer Aniston), una dentista devorahombres que cada día traspasa los límites del acoso sexual sin importar que él esté prometido.

Con una premisa como ésta, Cómo acabar con tu jefe lo tenía fácil para conectar con el espectador desde el primer momento y lo consigue con creces con una presentación eficaz y divertida de los tres jefes y los tres perdedores. Tras las cámaras y firmando el guión hay profesionales de la televisión, algo que se refleja en una historia con mucho ritmo, que equilibra muy bien todas las trama, aprovecha esos pequeños cameos (genial Jaime Foxx como “el negro supuestamente chungo”) y, de paso, tiene tiempo para reírse de algunos tópicos del género.

Los tres protagonistas tienen una química excelente y, de entre los jefes, destacaría a Jennifer Aniston. A pesar de los pocos minutos que protagoniza en el metraje total, se come cada plano en el que está y borda la mezcla de comedia y sensualidad de su personaje.

Instrucciones de uso: a pesar de la obvia comparación con esas comedias de colegas que tanto se estilan últimamente como “Resacón en las vegas” no abusa del humor burdo

Horrible Bosses, o Cómo acabar con tu jefe, es una comedia divertida, con un punto loco y que no abusa del humor burdo que solemos encontrar en este tipo de títulos. Se ha estrenado este mismo fin de semana en España.

Saltando al vacío de la mano de un genio

2011-08-29T13:05:00.021+02:00

"Dejad descansar la película una noche en vuestra cabeza. Es todo lo que pido". Son palabras salidas de la boca de Pedro Almodóvar poco antes del pase de prensa de la película nº 18 del más fascinante director y guionista que ha dado el cine español para quien esto escribe. Filias y fobias al margen, La piel que habito supone una huída hacia adelante en la filmografía de un cineasta que, sin renunciar a momentos esporádicos más lúdicos y ligeros, está determinado a abrazar la oscuridad en sus historias. No deja de ser curioso que el cineasta se enfrente al fondo más perturbador e incómodo de su carrera desde la puesta en escena más luminosa y sencilla, una maravillosa dirección de fotografía de José Luis Alcaine (su socio en películas como Volver o Mujeres al borde de un ataque de nervios) que fue reconocida en el último festival de Cannes.

Por segunda vez en su carrera (la primera fue la irregular Carne Trémula), Almodóvar se lanza a adaptar muy libremente un material ajeno. La muy negra Tarántala, del novelista francés Thierry Jonquet, da una serie de ingredientes tan interesantes como potencialmente incómodos (locura, cirugía estética, venganza, sexo y obsesión) que acaban convirtiendo a la película en un thriller con toques de terror psicológico y melodrama made in Almodóvar que no lo tendrá particularmente fácil para convencer ni a los más férreos seguidores del director de Todo sobre mi madre ni a los clásicos detractores que periódica y erroneamente le acusan hacer una y otra vez la misma película. Con La piel que habito queda claro que no es el caso.

En unos tiempos en los que el cine de terror y el thriller no atraviesa precisamente por su mejor momento, Almodóvar ofrece un vuelta de tuerca tan perturbura como contenida, tan elegante como retorcida, tan interesante como compleja. Desde el más ambiguo e irreal (que no inveresímil) de los entornos, La piel que habito presenta una serie de giros rocambolescos, fascinantes y entretenidos que derivan en lo que algunos han denominado el mejor truco final desde El sexto sentido. Estamos ante una película que puede pecar de excesiva, pero a la que jamás se le puede acusar de aburrida..... y también sería divertida si no fuese por ese giro que termina por provocarnos un nudo en el estómago (si no eres de los espectadores que se han salido del relato ante lo extremo e incómodo de la propusta), una de esas revelaciones que se merecen una alerta de spoilers como una casa. Podéis escuchar cuantas opiniones de las películas queráis, pero por favor, que no os la cuenten.

Instrucciones de uso: No dejes que te estropeen los giros argumentales, libérate de prejuicios y vete a un cine a ver el primer experimento con el terror y el thriller psicológico del más internacional y ambicioso de nuestros directores. Hará las delicias de los fans del cine sugerente, atrevido y provocador dispuestos a olvidar algún que otro pecado argumental.

Agradecido y emocionado debe estar Antonio Banderas con su primer trabajo con Almodóvar en más de veinte años: Robert Ledgard, un vengativo y repugante cirujano sin límites que, curiosamente, saca del malagueño la más contenida y carismática de sus interpretaciones en al menos diez años. La frialdad del protagonista de ¡Átame! o La ley del deseo contrasta con la espectacular belleza y poderío de una Elena Anaya que hereda el papel protagonista de una Penélope Cruz que no pudo protagonizar la película por problemas de agenda. Consciente de estar ante una oportunidad única, la musa de Medem está a la altura de la etiqueta chica Almodóvar y compone un personaje icónico, difícil y muy muy sugerente. Sin apoderarse la película pero cumpliendo con su trabajo con nota, están Jan Cornet y Blanca Suárez, jóvenes intérpretes que cubren las expectativas donde otros fracasaron (Liberto Rabal o Rubén Ochandiano siendo los primeros ejemplos que se me vienen a la cabeza). En un papel muy presente aunque un tanto desdibujado Marisa Paredes (inolvidable Huma Rojo o Leo Macías) está a la altura de lo que se espera de ella en su sexta colaboración con el director.

El que no hace ningún favor a la película es Roberto Álamo y, sobre todo, su personaje en uno de esos clásicos excesos almodovarianos que tan para atrás echan a los críticos del cineasta. Ni Álamo hace un buen trabajo (lo que resulta sorprendente después de fascinar y enamorar con su interpretación en el Urtain de Animalario), ni su personaje hace otra cosa que entorpecer y dificultar una trama que es más simple de lo que parece ni se entiende en ningún momento que su personaje sea brasileño. Demasiados ni en un personaje de esos que justifican la frase "lo que no suma, resta". Detalles como ese o la confusión sobre el origen y motivaciones de la venganza de Robert enturbian la estructura de una película diferente y original que se debe consolar con la etiqueta de notable. Que no es poco.

Imperfecta, confusa, excesiva y deliberadamente loca.... Se pueden utilizar numerosos adjetivos para definir La piel que habito y no todos ellos serán positivos, pero si la película y la propia carrera del cineasta se han ganado una calificación es la de imprescindible. Los genios, incluso cuando no nos ofrecen su obra magna (no siempre se puede estar a altura de películas tan brillantes y únicas como Volver, Átame, Hable con ella o tantas otras), merecen ser escuchados, vistos y apreciados. Siempre.

Escapando de la muerte una vez más

2011-08-24T18:09:00.006+02:00

Imper ha sido nuestro corresponsal en Barcelona, asistiendo al visionado de la última entrega de Destino Final, y ha querido compartir sus impresiones.

Sam Lawton tiene una premonición sobre el colapso de un puente colgante que causaría su muerte y la de otras personas. La visión se hace realidad, pero Sam se las arregla para salvarse a sí mismo y a algunos otros de la catastrófica tragedia. Sin embargo, Sam y su novia Molly descubren que no están realmente a salvo: la muerte los persigue a ellos y a los que sobrevivieron al horrible accidente.

Esta es la premisa de Destino Final 5, la más reciente entrega de una franquicia que sigue cosechando entregas desde el año 2000. Basadándose en el argumento de ún capítulo de la mítica serie Expediente X, llevaron el concepto a la gran pantalla consiguiendo un buen thriller con humor negro, increíbles efectos visuales y muertes aparatosas y sangrientas.

Actores como Nick D’Agosto, Emma Bell o Tony Todd hacen muy bien su papel en una película que vuelve a los orígenes de la saga, incluyendobastantes guiños a las anteriores entregas, con una banda sonora que siempre te pone en situación y el guión simple y muy predecible pero que tiene buenos momentos. En conjunto le han dado un buen enfoque combinando lo mejor de la primera entrega con un estilo distinto y siendo originales con las muertes, algo admirable al tratarse de una saga que llevaba tiempo de capa caída.

Instrucciones de uso: La combinacion de los factores típicos de la saga hacen de esta película apto solo para los de estomago fuerte o les guste este tipo de genero.

Entre sustos, momentos de tensión y muertes bastante visuales, Destino final 5 puede ser una película disfrutable si eres alguien que le guste las películas de terror. Se estrenara este viernes 26 de Agosto.

El origen del planeta de los simios.... o cómo un mono se convirtió en el personaje del verano

2011-08-19T15:16:00.006+02:00

No deja de ser curioso que haya tenido que venir un perfecto desconocido como Rupert Wyatt para conseguir lo que Tim Burton no pudo hacer hace ya diez años: insuflar de nuevo vida a la saga El planeta de los simios. Con un presupuesto ajustado (93 millones de dólares), esta precuela nos explica la aparición de estos avanzados e inteligentes simios que terminan por dominar y esclavizar a los seres humanos. ¿Y quién es el origen de todo esto? Cesar, un mono al que da vida (y de qué manera) Andy Serkis. El mismo que hizo de King Kong y Gollum, sí.

Es característica ya habitual que los blockbusters veraniegos estén llenos de personajes planos y vacíos que sirven exclusivamente para hacer avanzar la acción de una película llena de secuencias espectaculares que en realidad no van a ninguna parte (hola saga Transformers). Esto no sucede en esta ocasión.

En El origen del planeta de los simios las cosas están contadas sin prisa pero sin pausa, sin olvidarse en ningún momento de la palabra "conflicto" y con un tono que parece más cercano al drama que a cualquier otra cosa. El tono shakespeariano de las relaciones paternofiliales y la evolución del personaje de Shakespeare se apoderan de un guión sorprendemente acertado, que hace honor al concepto "progresión dramática". Aquí las cosas no suceden porque sí, se toman su ritmo y todas están encaminadas a explicarnos cómo y por qué un grupo de monos se acaba rebelando. Un grupo de animales que, de la mano de la genial WETA, acaba teniendo más corazón y profundidad que los personajes humanos que tampoco se benefician de un casting particularmente acertado: con un James Franco cumple pero no tiene el carisma que había demostrado en otras intervenciones y una Freida Pinto que nos recuerda que ser guapa y buena actriz no es necesariamente lo mismo. Su personaje, inutil para la trama, es uno de los pocos defectos de la potente y hasta emotiva historia que cuenta el film.

Instrucciones de uso: Sin cambiarte la vida ni redefinir el cine comercial en ningún momento (tampoco es labor de un novato como Rupert Wyatt), El origen del planeta de los simios nos recuerda que los blockbusters también pueden ser emotivos y que, en las peliculas, el término conflicto no es necesariamente un sinónimo de pelea.

A los detractores (los pocos que hay: la película ha sorprendido por gustar de un modo casi unánime a crítica y público) que echan de menos el maquillaje en los monos y que se quejan de un exceso de humanización de los monos por culpa de los efectos especiales, sólo se les puede decir una cosa: gracias a la estupenda técnica del film nos encontramos con un sensacional trabajo de Serkis que consigue, una vez más, que una criatura digital tenga alma y conecte con el especador. Tambíén ayuda una más que acertada puesta en escena de Wyatt, que nos permite regalarnos varios planos espectaculares (como ese reflejo en el que se ve la huída de todos los monos) que se ven acompañados de una brillante banda sonora a cargo de Patrick Doyle.

El origen del planeta de los simios es un buen ejemplo de las virtudes y concesiones que debería tener una buena película de verano. Y es que, señores, que sea verano no significa que se nos haya fundido el cerebro.

San Sebastián 2011: se completa la selección de títulos de la prometedora 59 edición del festival

2011-08-17T13:48:00.005+02:00

El 16 de septiembre arranca la 59 edición del Festival de San Sebastián, la primera bajo la dirección de José Luis Rebordinos. Hasta este año conocido por su labor tras la Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián y el Festival de Cine y Derechos Humanos, este donostiarra de 48 años se estrena en el cargo determinado a dar al Zinemalida la mejor edición en muchos años. El director canario Juan Carlos Fresnadillo abrirá la sección oficial fuera de competición con el thriller Intruders, protagonizado por Clive Owen. En Zabaltegui los honores van a parar a las manos de Terrence Malick y su El árbol de la vida. La comedia francesa Intouchables se encargará de cerrar un festival que, como ya comentamos, honrará la carrera de la gran Glenn Close con el premio Donostia.

En la Sección Oficial aparecen nombres de veteranos como Arturo Ripstein (Las razones del corazón), Enrique Urbizu (No habrá paz para los malvados), Terence Davies (The Deep Blue Sea), Hirokazu Kore-eda (I wish) , Ki Duk Kim (Amen) o jóvenes promesas de la dirección como Benito Zambrano (La voz dormida), Oren Moverman (Rampart) o las actrices Julie Delpy (Le Skylab) y Sarah Polley (Take this waltz). Mucho nombre en una sección que también contará con Rodrigo García, que presentará fuera de competición Albert Nobbs (la esperada películad de la ya citada y premiada Close).

Eb la sección Perlas de otros festivales podremos ver alguno de los títulos que más han gustado en Cannes (la comedia muda The Artist, el thriller de acción Drive o Le Havre, Kaurismaki), Venecia (lo nuevo de Johnnie To o el prometedor Steve McQueen, Shame), la última joya indie sacada de Sundance (Martha Marcy May Marlene, Tyrannosaur) o el último Oso de Oro del festival de Berlín (Nader y Simin, una separación).

No menos interesantes son los estrenos de dos películas del fantástico español que darán mucho que hablar los próximos meses: el Extraterrestre de Nacho Vigalondo y Verbo, la ópera prima de Eduardo Chapero - Jackson. Por último añadir que también se estrenará el documental George Harrison: living in the material world, obra ni más ni menos que de Martin Scorsese. Por resumir, en San Sebastián veremos los nuevos proyectos de actores como Ryan Gosling, Michael Fassbender, Brad Pitt, Sean Penn, Carey Mulligan (que presenta dos películas), Rachel Weisz, Michelle Williams, Woody Harrelson, Robin Wright, Steve Buscemi, Sigourney Weaver, Nadine Labaki, Peter Mullan, Seth Rogen, Salma Hayek, Géraldine Chaplin, Chiara Mastroianni... ¿Alguien da más?

Para conocer más títulos que se exhibirán en la ciudad vasca, no dudéis en visitar la página oficial del festival.

Glenn Close, Premio Donostia 2011.

2011-08-12T12:21:00.005+02:00

Tras conceder el premio ala que una vez fue la novia de América Julia Roberts, la 59 edición del Festival de cine de San Sebastián otorga el premio Donostia a Glenn Close, una actriz de indudabletalento e impresionante carrera que presenta, fuera de concurso, su últimapelícula, Albert Nobbs.

En estos últimos años, Glenn Close ha interpretado a uno delos personajes femeninos más fuertes, retorcidos e interesantes de latelevisión americana en el drama legal Damages, papel por el que se haganado ya dos Emmys y un Globo de Oro. No ha sido su único papel en televisión,además de algunas tv-movies, fue la poli dura Mónica Rawling en TheShield.

Con más de 60 trabajos asus espaldas, no es complicado encontrar a GlennClose en alguna de nuestras películas favoritas o en grandes clásicos. FueAlex Forrest en Atracción Fatal y la marquesa Isabelleen la inolvidable Las Amistades Peligrosas. Ha sido laprimera dama americana en la paródica y genial Mars Attacks y Sarah en Reencuentro. Ha trabajado con Ron Howard y Robert Altman.Hasta la hemos visto como un pirata cobarde torturado por el Capitán Garfio en Hook.

A pesar de haber sidonominada varias veces, nunca ha recibido un Oscar de la academia pero sí tienealgunos premios Tony en su estantería por varios trabajos en Broadway queincluyen obras de Mike Nichols como Lamuerte y la doncella o The Real Thing.

Personalmente, guardo concariño su papel en Cosas que diría con sólo mirarla que, por cierto, está dirigidapor Rodrigo García, director de lapelícula que presenta en el festival y con quien también trabajó en NineLives. Things you can tell just by looking at her es un drama coral,como la mayoría de trabajos de García, que relata la forma de enfrentarse a lavida y a sus problemas de cinco mujeres, un título altamente recomendable, deuna sensibilidad únicas y con un reparto increíble. Cambio recomendable porimprescindible.

Como llevamos haciendo yavarios años, tanto Daniel como yo vamosa asistir al Festival Internacional de San Sebastián por lo que podréisseguir nuestra crónica y críticas de esos nueve días cinéfilos aquí en La Última Peli y en laetiqueta 59 ed. SS.

La hilarante boda de mi mejor amiga

2011-08-08T11:45:00.002+02:00

Una vez más, no se han lucido con la traducción de Bridesmaids, una comedia divertida con toques ácidos, absurdos e incluso escatológicos que está muy lejos de esas comedias románticas simplonas que el título español puede evocar.

Judd Appatow es sin duda uno de los productores cinematográficos de comedia en alza actualmente. Tras títulos como Virgen a los 40, Lío embarazoso o Supersalidos, Kristen Wiig y Annie Mumolo, actrices y guionistas en el mítico programa de sketches Saturday Night Live, se acercaron a Appatow con este proyecto de mujeres protagonizado por mujeres que él aceptó sin dudar.

Wiig y Mumolo cuentan lo natural que resultó para todos la escritura de este guión. Tras realizar ellas el trabajo de escritura, dedicaron días a interpretar e improvisar las secuencias, eliminando y añadiendo detalles, frases o gags que perfeccionaban el ritmo y la fluidez de la historia. Cuando Paul Feig entró como director de la cinta, que tampoco está falto de credenciales con fantásticas series a sus espaldas como The Office o Arrested Development, se completó el grupo creativo que nos ha regalado una de las mejores comedias del año.

La mayor virtud de Bridesmaids es su protagonista, Annie. Aunque tenga un punto de loca y emocionalmente torpe, resulta una mujer muy natural con la que es fácil identificarse. Esta naturalidad se translada al resto de mujeres que, dentro del amplio rango de personalidades y actitudes, conforman un grupo que desarrolla una química muy real y tremendamente divertida que hace evidente esa tendencia a la improvisación que se trasladó también al rodaje.

Instrucciones de uso: No voy a negar la evidencia, aunque considero que este título es apto tanto para hombres para mujeres, ya que hay humor para todos los gustos, los temas, conflictos y enfrentamientos de un reparto con seis mujeres son bastante femeninos. Pero claro, es precisamente la habilidad y genialidad de introducir una secuencia increíblemente escatológica en el típico momento “probémonos vestidos de novia” lo que aleja a la película de ser la típica comedia para mujeres.

La boda de mi mejor amiga es tan divertida como recomendable, con un reparto excelente y, en definitiva, un soplo de aire fresco en un género que está en terribles horas bajas como es el de la comedia romántica. Se estrena este viernes 12 de Agosto.

Arrietty: Lo nuevo de Ghibli.

2011-08-05T19:40:00.006+02:00

Hayao Miyazaki tenía en mente adaptar el mundo de Los Borrowers, creado por la escritora de libros infantiles Mary Norton, desde que a los 20 años leyó algunas de las historias. Cuarenta años después, Hiromasa Yonebayashi se pone tras las cámaras por primera vez después de muchos años como creativo en el Estudio Ghibli, para dirigir este guión en el que el maestro Miyazaki vuelca su tono, temas y tics característicos.

Arriety es una borrower de 14 años que, junto a su padre, va a realizar su primera incursión al mundo de los humanos para tomar algo prestado. Pero las cosas no salen bien y Shô, un joven enfermo que ha ido a pasar el verano en casa de su abuela, la ve.

Kari-gurashi no Arietti se mueve entre la inocencia, la magia y la experiencia de descubrir un mundo de Mi Vecino Totoro, una protagonista de esas decididas y valientes heroínas que frecuentan la filmografía del estudio japonés y los temas habituales del cine de Miyazaki como son el amor y respeto a la naturaleza, la soledad, la infancia, la esperanza o el valor de la familia y la confianza. ¡Y hay un gato con mala uva!

Técnicamente, el film es una delicia. El diseño de producción combina a la perfección el preciosismo de los jardines y la naturaleza de los escenarios con una cuidada relación de aspecto, algo que se potencia aún más con excelente uso del montaje de sonido que consigue atrapar al espectador tanto en el mundo de percepción de los diminutos como en el de los humanos. Yonebayashi aprovecha todo esto y realiza un brillante trabajo con los planos, recurriendo frecuentemente a planos subjetivos que nos hacen vivir ese mundo en miniatura. Esta vez el gran Joe Hisaishi ha descansado y la banda sonora corre a cargo de Cécile Corbel, compositora francesa fan del las películas del estudio que envió unos temas y acabó componiendo todo el sountrack tanto en japonés como en inglés y francés.

Instrucciones de uso: Arriety es más adulta de lo que parece por los temas que trata pero no tiene ni pretende tener el tono de otros títulos de Ghibli como La Princesa Mononoke o Chihiro. Está en una línea más inocente y cercana a la de Mi Vecino Totoro o Nicky aprendiz de bruja.

Arriety y el mundo de los diminutos, título con el que Aurum la distribuye en España, es sin duda un título imprescindible para todo amante de las producciones del Estudio Ghibli y una de esas películas para goce y disfrute tanto del público más familiar como de aquellos que busquen algo más de sustancia que en otras películas animadas. Se estrena en las salas el 16 de Septiembre. Aquí podéis ver el trailer japonés (el español un poco más y cuenta el final).

Un viaje cinematográfico a los 80 con Super 8

2011-07-21T16:03:00.002+02:00

Verano del 79. Un grupo de amigos están rodando un corto de zombies con su flamante Super 8. Una noche, rodando una secuencia de divertidos aires a Casablanca, son testigos de un accidente ferroviario brutal. Desde ese momento, extraños sucesos y desapariciones empiezan a tener lugar en la ciudad y los jovenzuelos están más implicados de lo que piensan.

Sin duda, lo más destacable de Super 8 es cómo el elemento nostálgico baña todos los aspectos de la cinta más allá del simple contexto histórico. J.J. Abrams escribe y dirige echando mano de la tensión más clásica, de la química divertida entre pre-adolescentes de las películas de aventuras de los ochenta y una mezcla de géneros, entre los que encontramos drama, comedia, acción, suspense y algo de ciencia ficción, muy equilibrada.

Ya se sabe que las comparaciones son odiosas, pero Super 8 recuerda a muchas cosas. Recuerda a Jurassic Park en sus momentos de acción y suspense, recuerda a E.T. en el punto de vista de las figuras autoritarias en general y los militares en particular y es inevitable acordarse de Los Goonies mientras disfrutamos de los chavales maquinando y preparando su película o en los momentos de auténtico cine de aventuras.

Sin embargo, Super 8 no es perfecta y en su mejor y más destacable cualidad también está su mayor defecto. En ocasiones es inevitable tener esa sensación de esquema predecible que, aunque consiga salvar con alguna que otra sorpresa, va inherente a las referencias cinematográficas y el tono nostálgico que impregna la cinta en fondo y forma. Es por esto que quizá la película carezca de cierta personalidad propia. Sin embargo, no creo que sea un problema para aquellos que no entren en el juego nostálgico, porque con tan buenas referencias el resultado es excelente.

El casting es estupendo. Prácticamente todo el peso de la historia recae sobre un reparto infantil muy simpático en el que destacan Elle Fanning y Joel Courtney, el Eliott de esta historia, quienes consiguen crear un cocktail perfecto de inocencia y forzada madurez. Entre los adultos destaca Kyle Chandler, quien aborda de forma inteligente un papel de policía resolutivo y padre dolido que podría haber llevado demasiado al extremo. El militar de turno le ha tocado a Noah Emmerich, al que Abrams hábilmente ha contenido para evitar caer en patriotismos y estereotipos típicos del género.

Instucciones de uso: La combinación de géneros hacen de esta producción de Spielberg un título apto para todo tipo de público y exigencias independientemente de sus incuestionables reminiscencias al mejor cine ochenteno spielbergiano.

Super 8 es disfrutable 100%. Hace reír, provoca tensión y genera adrenalina a la vez que emociona y enternece. Sin duda es de ese tipo de películas que solían ser blockbusters veraniegos con merecido éxito de público y crítica. De esos que de un tiempo a esta parte escasean de forma alarmante. Super 8 se estrena el 13 de Agosto en España. No os la perdáis.

Me muero por ver.... The Amazing Spider-Man, The Dark Night Rises, War Horse, Brave

2011-07-20T18:05:00.022+02:00

Si no se hubiese estrenado hace tan sólo unos días la esperadísima segunda parte de Harry Potter y las Reliquias de la Muerte (la película más taquillera de la historia en su fin de semana de estreno), viviríamos una situación de lo más extraña. Acostumbrados a ver cómo los proyectos más ambiciosos del año llegan en las fechas estivales, en 2011 hemos visto cómo esas películas se han quedado en un segundo plano ante el estreno de los primeros trailers de los estrenos más esperados de los próximos meses. Los hechos hablan por sí mismos: en menos de un mes se han concentrado las primeras imágenes de las nuevas películas de Steven Spielberg, Martin Scorsese, David Fincher, Christopher Nolan, la factoría Pixar o las nuevas entregas de taquilleras sagas como Sherlock Holmes o Misión: Imposible. A continuación vemos y analizamos algunos de ellos.

¿Qué?: Cinco años después de que Sam Raimi se quedase a punto de cargarse la franquicia con Spider-Man 3, The Amazing Spider-Man vuelve atrás en el tiempo para contar los primeros pasos (superheroícos) de Peter Parker. Otra vez.
¿Quién?: El director Marc Webb (500 días juntos) y el británico Andrew Garfield encabezan el reboot de Spider-Man. Emma Stone es Gwen Stacy, Martin Sheen el tío Ben y Sally Field la tía May. Rhys Ifans será Lagarto, el villano que pondrá las cosas complicadas al hombre araña.
A favor: Un director que ya demostró su potencial en su película anterior, dos jóvenes protagonistas con más carisma que sus antecesores y un par de escenas prometedoras en el trailer nos permiten confiar en una película que quizás llega demasiado pronto. Por contraproducente que parezca volver a la saga tan rapidamente, hay una razón clara: Sony debe hacer una película de Spider-Man cada cinco años o perderá los derechos del personaje.
En contra: ¿No conocemos ya perfectamente los primeros pasos superheroicos del torpe Peter Parker? El trailer deja cierta sensación a deja vu.
¿Cuando? 3 de julio de 2012, en todo el mundo
Pronóstico: A pesar de que la saga ha pecado siempre de irregularidad (la primera parte era regular, la segunda extraordinaria y la tercera infumable), Marvel tendrá cuidado con un polémico reboot que ha visto como su presupuesto es reducido notablemente respecto a anteriores capítulos. Expectativas moderadas.

¿Qué?: La historia del Caballero Oscuro llega a su fin con una esperadísima tercera parte de la que poco se sabe. Tras el deprimente final de la sensacional entrega anterior sólo cabe esperar el resugir del atormentado héroe estrella de la factoría DC. Los nuevos villanos Catwoman y Bane ya se encargarán de poner las cosas difíciles al heroe enmascarado.
¿Quién?: Christopher Nolan. Sólo su nombre da confianza en un proyecto en el que nos encontramos un casting de los que dejan sin respiración: Christian Bale, Michael Caine, Gary Oldman, Morgan Freeman y los nuevos fichajes de la saga: Tom Hardy, Anne Hathaway, Marion Cotillard y Joseph Gordon-Levitt. ¿Alguien da más?
A favor: Que tire la primera piedra el que desconfíe de Nolan, un actor que ha demostrado que se puede ser comercial, inteligente y arriesgado dentro del sistema. Sus precedentes nos permiten soñar con un cierre inolvidable.
En contra: The Dark Night Rises lo tendrá difícil para igualar o superar el listón marcado por El caballero oscuro, una de las mejores películas superheroícas de la historia. Tampoco ayuda la ausencia del ya inolvidable Joker de Heath Ledger.
¿Cuando? 20 de julio de 2012, en todo el mundo.
Pronóstico: El trailer no es de los que deja boquiabierto a los espectadores (tampoco es una costumbre en los avances de las películas de Nolan) pero, si tenemos en cuenta los antecedentes, sólo los más cínicos y amargados pueden creer que no saldrá una gran película de aquí.

¿Qué?: Steven Spielberg vuelve a las trincheras con Caballo de Batalla, un drama bélico que narra la amistad entre un chico y un caballo, que quedan separados por la I Guerra Mundial en Europa, y cuyos caminos se vuelven a cruzar en el transcurso del conflicto bélico mundial.
¿Quién?: El director de E.T. adapta una novela del escritor de relatos infantiles Michael Morpurgo, ya llevada al teatro con unas críticas extraordinarias por el dramaturgo Nick Strafford. Emily Watson y David Thewlis son los intérpretes más populares en un casting lleno de desconocidos y liderado por el adolescente Jeremy Irvine. John Williams rompe su descanso, convirtiendo a la BSO de la película en la más esperada del año.
A favor: La adaptación teatral está arrasando allá donde se ha estrenado, con lluvia de premios incluída. El director ya ha demostrado anteriormente sus capacidades en el cine bélico y el trailer es simplemente sensacional. Promete ser el regreso del Spielberg más épico y emotivo.
En contra: Poco, muy poco. Cuando Spielberg se pone serio raramente falla (Amistad). Las excelentes críticas al material original nos hacen olvidar el toque sentimentaloide que puede desprender el trailer.
¿Cuando? 30 de diciembre de 2011, en España.
Pronóstico: War Horse tiene todas las papeletas para convertirse en una de las grandes candidatas al Oscar del 2011. Arte y comercialidad se darán la mano gracias a un Spielberg que necesita un éxito de los de antaño después de estar un poco perdido el último lustro.

¿Qué?: Pixar se deja de pamplinas y secuelas con Brave (Indomable), una cinta da de aventuras en la que toda la familia real está en peligro por una antigua maldición, y la hija, Merida, luchará con las impredecibles fuerzas de la naturaleza, y la magia oscura, para cambiar las cosas a mejor
¿Quién?: Mark Andrews, responsable del cortometraje de la propia factoría El hombre orquesta debuta como director de largometrajes con esta película que deberá limpiar la mancha que ha supuesto Cars 2 en el expediente de la compañía. Los muy británicos Kelly Macdonald, Robbie Coltrane, Emma Thompson y Julie Walters pondrán las voces.
A favor: Es una idea original, algo que ya ha desatado pasiones entre los fanáticos del cine animado. Apuesta por una estética realista en la primera película Pixar protagonizada por seres humanos desde Los Increíbles. El trailer no destripa demasiados detalles, pero deja con ganas de más. Es la primera película de la factoría protagonizada exclusivamente por un personaje femenino.
En contra: Es demasiado pronto para ponerle pegas a un proyecto que tiene francamente buena pinta.
¿Cuando? 22 de junio de 2012, en Estados Unidos
Pronóstico: Que hayan fracaso (a nivel artístico, que no económico) con su última película no debería hacernos olvidar que Pixar es la empresa que más garantías de éxito artístico y comercial da de toda la industria. Las expectativas y ganas están en lo más alto. Se lo han ganado a pulso.

Paul, una comedia friki (pero no tanto)

2011-07-18T11:26:00.012+02:00

La suma de los talentos de los guionistas y actores Simon Pegg y Nick Frost y el director Greg Mottola podría hacer disparar la alarma friki para el público más tradicional y mainstream. Después de todo, estamos hablando de gente que hizo posible películas como Supersalidos, Arma Letal o Zombies Party, originales comedias que desafiaron los tópicos de géneros como el cine de acción o las películas de zombies para acabar convirtiéndose en algunas de las más destacadas comedias de culto de la última década.

Pegg y Frost esconden en esta revisión del cine de extraterrestres un divertido y efectivo relato sobre una serie de personajes perdidos en la vida que tienen que encontrarse con un extraterrestre para darse cuenta de lo desviado que está el rumbo de sus vidas. Lo cierto es que, pese a a que Paul arranque con dos nerds ingleses que viajan a América para visitar la Comic Con y el Area 51, se acaba convirtiendo en una película más convencional de lo que pueda parecer a simple vista. Algo que no es ni bueno ni malo, todo sea dicho.

Es curioso como los auténticos almas máteres del proyecto se ven ensombrecidos por los carism de Seth Rogen (voz en la V.O. del extraterrestre, en España será Santi Millán) y, sobre todo, Kristen Wiig. La actriz, salida del la cantera del Saturday Night Light (¿cómo no?) vive un momento profesional fantástico después de arrasar en la taquilla norteamericana con La boda de mi mejor amiga, un proyecto personal que protagoniza y coescribe que ha terminado convirtiéndose en la comedia más taquillera de todas las películas producidas por Judd Apatow, lo cual no deja de ser irónico si tenemos en cuenta lo masculino que es su cine. El papel de Wiig, una treintañera que ha sido criada bajo la férrea y excesivamente católica mano de su madre y que ahora descubre una nueva mirada del mundo, roba la película.

Instrucciones de uso: Más nostálgica que satírica, Paul es una comedia curiosa, divertida y blanca que probablemente acabe dejando más satisfecho al espectador medio que al fan de las anteriores propuestas de Frost & Pegg, más particulares y divisorias, pero también brillantes. De algo puede presumir Paul: jamás volveremos a ver E.T. con los mismos ojos.

En un oceano cinematográfico de secuelas y superproducciones, Paul puede ser una solución fresca y ligera para un verano cargado de producciones excesivas y grandilocuentes. A veces menos es más, incluso cuando hay explosiones, disparos y un extraterrestre de por medio. Paul se estrena este viernes 22 de Julio en España.

Crítica Harry Potter y las Reliquias de la Muerte parte II

2011-07-11T11:05:00.025+02:00

El fin ha llegado, It all ends, Todo acaba,.... Los eslóganes de la Las Reliquias de la Muerte parte II pueden variar, pero el concepto está muy claro: el 15 de julio se terminarán de una vez por todas las aventuras de Harry Potter, el joven mago que consiguió que millones de niños recuperasen el apetito por la lectura. Y lo hace a lo grande, con una película que está enamorando a los pocos que hemos tenido la oportunidad y placer de poder verla: hasta el diario británico The Guardian, que siempre había sido muy duro con las adaptaciones de las novelas de JK Rowling, se ha rendido a los pies de una película que está a la altura de las grandes expectativas que había sobre ella.

La saga, que ha pasado por las manos de directores tan diferentes como Alfonso Cuarón, Chris Columbus, Mike Newell o el novato David Yates, ya había llegado a cotas muy puntuales de excelencia con El prisionero de Azkabán (la mejor película de la saga hasta el estreno de este desenlace), pero Las Reliquias de la Muerte consigue lo más difícil: encuentra un equilibrio perfecto entre las espectaculares secuencias de acción y los momentos emocionales de la película.

Conscientes de que no habrá más películas con estos personajes (si la Rowling vuelve a este universo es algo que está por ver), el guionista Steve Kloves no se olvida de Neville Longbottom, la profesora McGoenagall o la matriarca del clan de los Weasly, personajes muy secundarios en la saga que tienen varios momentazos que consiguen llevar al éxtasis a un público tan entregado como emocionado. El nivel de aplausos en la sala me recordaba inevitablemente a El retorno del Rey y La Venganza de los Sith, casualmente (o no) desenlaces de otras sagas que marcaron una época en el cine mainstream.

Entre las muchas cosas que hay que aplaudir de la cinta nos encontramos con su ajustada duración: poco más de 120 minutos - la película más corta de todas - son más que suficientes para contar el final del mítico duelo entre Harry Potter y Voldemort, un enfrentamiento que ha dejado en el camino numerosas víctimas (varias de ellas tienen una breve, emotiva y - por qué no decirlo - un tanto confusa aparición que llevará a las lágrimas a más de un fan) y que ha visto como ha sido ligeramente modificado en su salto al cine, en uno de los pocos cambios en relación al material original.

Tras recibir numerosas críticas por tener en su filmografía alguna de las peores películas de la serie (como El misterio del Príncipe), Yates se saca la espina y crea una serie de escenas antológicas que dejan a la audiencia boquiabierta y emocionada, empezando ya por ese robo en Gringotts que pone rápidamente sobre la mesa las cartas con las que jugará la película. Es difícil quedarse con una sola escena de la película: Las Reliquias de la Muerte está llena de grandes momentos, como ese esperadísimo beso entre dos de los protagonistas que le roba todo el protagonismo a la pareja formada por Harry y Ginny, una trama que jamás funcionó y que carecía por completo de química (más por culpa de ella: Radcliffe aguanta perfectamente el peso de una entrega que recae sobre sus hombros más que nunca).

Instrucciones de uso: Tradicionalmente las adaptaciones de las novelas de Rowling se han quedado uno o dos peldaños por debajo del material original, pero Yates y compañía se ponen las pilas en el desenlace de una saga de aventuras que ha marcado una generación. Épica y emoción se dan la mano en la película más imprescindible del verano.

Como detalle más anecdótico pero determinante a la hora de decidir cómo ver la película nos encontramos con un 3D que merece cada uno de los tres euros extras que hay que pagar para ver la película en este formato. La película no se rodó así, pero la conversión se ha hecho con mimo y cuidado: la Warner no iba a permitir que su niña bonita quedase mal ante sus millones de fans. Y como muestra, la negativa de los productores a estrenar el capítulo anterior en el formato tridimensional: si van a hacer la conversión, la hacen bien. Y eso es lo que vemos. En contra un pequeño pero: la fotografía, uno de los apartados tradicionalmente más acertados de la película, brilla menos que en otras ocasiones.

Reconociendo que en esta crónica se me ha ido de las manos un poco la vena fanática, lo que es innegable es que Las Reliquias de la Muerte segunda parte hará disfrutar enormemente tanto a espectadores más metidos en el mundo potteriano como a los que se han acercado a él ocasionalmente. Un regalo para la vista y los oídos (cortesía de un Alexandre Desplat en estado de gracia) que nos deja una sensación agridulce con sus títulos de crédito final: nos da pena llegar al final, pero todo es más fácil con un producto redondo y, nunca mejor dicho, mágico como este.

Maratón Harry Potter: El Misterio del Príncipe

2011-07-09T17:59:00.000+02:00

Después de ceder su puesto a Michael Goldenberg , Steve Kloves vuelve a coger la pluma de Harry Potter para adaptar la que en ocasiones retitulo Harry Potter y el no-misterio del Príncipe, uno de los títulos más fallidos de toda la saga.

Cuando se habla de adaptaciones, mi posición siempre es muy permisiva y comprensiva con la diferencia de lenguajes entre una novela y una película y la imposibilidad de plasmar toda la información que permite ofrecer la palabra escrita, sobretodo cuando se trata de tantas páginas como en la saga de J.K. Rowling. Sin embargo, en este caso considero que la gran causante de que “El misterio del Príncipe” sea tan fallida viene de una adaptación poco hábil y una administración de tramas demasiado irregular y con las prioridades equivocadas.

Los verdaderos conflictos que se manejan en el libro, tomando como columna vertebral el misterio del príncipe mestizo y el pasado de Voldemort. Los episodios hormonados de sus protagonistas son lógicos por edad y resultan entretenidos pero Kloves ha abusado demasiado de ellos en su libreto sobretodo cuando se tiene en cuenta la cantidad de historia y tensión potenciales de la novela y que éstos alivios sentimentales deben funcionar en segundo plano como potenciador de las emociones de sus protagonistas. El guión acaba limitándose a una sucesión de escenas con una conexión muy pobre entre ellas y donde la evolución brilla por su ausencia salvo, quizá, en el caso de Draco Malfoy.

Formalmente, la entrega funciona. La fotografía sigue destacando, el diseño de producción es excelente y David Yates sigue perfeccionando su puesta en escena y el uso del punto de vista de sus planos brilla más que el contenido de las secuencias. Lo más decepcionante del aspecto técnico es, al igual que en la anterior entrega, la banda sonora original de Nicholas Hooper. Carente de toda épica y reminiscencias a cualquier leit-motiv de la saga, la partitura de Hooper es pobre, no acompaña ni consigue destacar por sí misma o elevar la emoción de las secuencias.

Instrucciones de uso: Con el segundo visionado, sabiendo ya lo que uno se va a encontrar, esta sexta entrega gana en entretenimiento y se disfrutan ciertos pasajes de la historia de forma individual. Como conjunto sigue dejando un sabor de boca muy agridulce.

Harry Potter y el Misterio del Príncipe es un trámite necesario para llegar a las dos últimas entregas de la saga pero no funciona por sí misma y deja una sensación de macguffin muy similar a la de La Orden del Phoenix cuando había material suficiente para haber ofrecido dos horas y media de buena mitología harrypotteriana.

Maratón Harry Potter: La Orden del Fénix

2011-07-08T10:38:00.000+02:00

Tras cuatro capítulos de introducción, Harry Potter llega con La Orden del Fénix al meollo del mítico duelo entre el malvado Voldemort y su némesis, "El chico que vivió". O debería, porque a la hora de la verdad novela y película funcionan más por algunos elementos individuales que sobresalen dentro de la función (las consecuencias de la aparición del personaje de Dolores Umbridge, las clases de Oclumancia del profesor Snape o el ejército de Dumbledore serían buenos ejemplos) que como obra en sí misma: después del clímax de El cáliz de fuego cabría esperar una entrega más explosiva y directa, pero nada más lejos.... los avances se reducen a los miedos del Ministerio y un duelo en las localizaciones de este que acaba con la muerte de uno de los personajes más queridos de la serie.

Tras enamorar a la crítica e industria televisiva con la sensacional miniserie política State of Play, David Yates dirige con la primera de sus cuatro aportaciones a la saga un capítulo efectivo y funcional pero que no llega a brillar particularmente en ningún momento. Afortunadamente, la hasta el momento de su publicación novela más larga de la saga se convierte en la película más corta de las ocho, un acierto si tenemos en cuenta que La Orden del Fénix es el peor macguffin de toda la serie. Por muy prometedor que pudiese parecer en un momento el título del libro, con el paso de las páginas (los minutos en este caso) nos damos cuenta de que los tiros van por otras partes.... un tanto dispersas.

Instrucciones de uso: la carismática presencia de Imelda Staunton o Helena Bonham Carter como unas agradecidas villanas y las aventuras del nuevo ejército de Dumbledore dan brillo a una entrega tan entretenida y formalmente impoluta como inferior a los libros, un clásico en la saga.

Notablemente superior al blockbuster medio, las sensaciones de que las aventuras de Harry Potter podrían ir más allá en la gran pantalla continuán.... pero hay que ser consciente de que un libro es un libro y una película, una película: hay que dejar de lado los talifanismos y disfrutar de La Orden del Fénix como lo que es: una obra menor dentro de la saga y un complemento perfecto a los que amamos las aventuras de la Rowling. No se le debe pedir mucho más.

Maratón Harry Potter: El Cáliz de Fuego

2011-07-07T10:50:00.003+02:00

Continuamos con el especial dedicado a la saga Harry Potter, la serie de películas que ha conquistado a jóvenes y no tan jóvenes desde que en 2001 se estrenase la adaptación del primero de sus libros, La piedra filosofal. Ahora es momento de hablar de El Cáliz de Fuego, la continuación inmediata de El prisionero de Azkabán, la mejor película inspirada en la saga basada en las novelas de JK Rowling (al menos hasta que veamos la segunda parte de Las Reliquias de la Muerte el próximo 15 de julio).

Tras el agotamiento de un Alfonso Cuarón que había dado nueva vida a la serie con la anterior entrega de la serie, el director elegido para capitanear el barco era Mike Newell: artesano que ya había demostrado su versatilidad en películas tan distintas como Cuatro bodas y un funeral, Donnie Brasco o La sonrisa de Mona Lisa: el realizador inglés (el primero en la saga hasta ese momento) aporta unos mínimos más que correctos, pero al producto le falta la garra y personalidad de la que si disponía Azkaban.

A favor de la película podemos decir que apuesta por la aventura de lleno, ofreciendo un relato muy entretenido gracias a las posibilidades que da el torneo de los Cuatro Magos. Las pruebas (menos a vida o muerte de lo que nos quieren vender), las consecuencias de la aparición en escena de Fleur Delecour y compañía y las excentricidades del nuevo profesor de Artes Oscuras (continuando con la famosa maldición en este puesto de trabajo) entretienen a las audiencias hasta el magnífico clímax de la película, con ese retorno por todo lo alto de un Lord Voldemort al que da vida Ralph Fiennes.

Instrucciones de uso: Aunque carece del poso de El prisionero de Azkabán o (en su mayor parte) el dramatismo que caracteriza las posteriores películas de la saga, El Cáliz de Fuego funciona a la perfección como cinta de aventuras y acción en la que hay cabida para la comedia, el romance y hasta el terror. No es un prodigio de personalidad, pero es entretenida a rabiar.

La esperadísima aparición de Aquel que no debe ser nombrado y la muerte de un Cedric Diggory interpretado por el entonces desconocido Robert Pattinson marcan el punto de inflexión en la saga: si antes estábamos viendo un relato juvenil que se oscurecía por momentos, después del clímax de la cuarta película queda claro que estamos ante un relato más tenebroso y adulto de lo que nos espérabamos encontrar cuando descubrimos por primera vez el mágico mundo de Rowling.

No acostumbra a entrar en el top de películas favoritas de la saga, pero poco más se le puede pedir a El cáliz de fuego de lo que ya da. Los que se quejaban de que había subtramas que se quedaban fuera de la película tienen que entender que una película no es un libro y que no es fácil sintetizar más de 700 páginas en algo más de dos horas y media.

Maratón Harry Potter: El Prisionero de Azkabán

2011-07-05T16:56:00.006+02:00

Con la tercera entrega de la saga, Alfonso Cuarón toma el relevo a Chris Columbus, entrando de lleno en la etapa más oscura y adulta de las historias del joven mago. Respetando y adaptando fielmente lo que se relata en la novela de J. K. Rowling, Cuarón nos presenta una historia de hombres lobo, espectros terroríficos y asesinos sanguinarios sin miedo a dejar que el inocente misterio de las dos aventuras anteriores de paso a un tono tétrico y siniestro de lo más disfrutable.

El Prisionero de Azkabán probablemente sea, a día de hoy, la película más redonda de toda la saga de Harry Potter. Personajes sombríos, constantes referencias al pasado de Harry Potter y el origen de la leyenda y poderosos sentimientos que se manejan como el abandono, la traición, la venganza, la soledad o la injusticia se combinan en un cocktail perfecto con un Cuarón muy dinámico, muy cuidadoso con el segundo plano y especialmente hábil con los travelings y las secuencias más épicas que, junto al tono que comentaba y una excelente y tenebrosa fotografía, consigue atrapar al espectador en la red de esta historia repleta de detalles y guiños para el seguidor más fiel o el más perspicaz.

Instrucciones de uso: Las aventuras en Howgarts empiezan a dejar de ser aptas para todos los públicos y los más peques de la familia empezarán a sentirse incómodos en sus butacas, además de que la mitología empieza a tomar una forma y un cáliz muy densos para el espectador infantil.

Harry Potter y el Prisionero de Azkaban te grapa a la butaca, te atrapa en su atmósfera gris, te presenta a nuevos e interesantes personajes, inyecta profundidad a los magos protagonistas y nos hace partícipes de una aventura de interés y drama considerablemente superiores al que tenían las dos entregas anteriores. Acabo con una pregunta inocente… ¿Qué sería de esta historia sin la increíblemente inteligente y tenaz Hermione Granger?

Maratón Harry Potter: La Cámara Secreta

2011-07-01T13:47:00.005+02:00

Ya quedan menos de dos semanas. Parece que fue ayer cuando los fans de las aventuras de Harry Potter estallamos en rabia, nerviosismo y posterior alegría (todo en uno) al enterarnos de que el esperadísimo desenlace de la saga, Las Reliquias de la Muerte, llegaría partidos en dos entregas. Antes de que podamos ver de una vez por todas el final (de una era, cómo han insistido en destacar en la campaña de promoción del film), es el momento de continuar con el maratón de la las adaptaciones de las novelas de JK Rowling.

Es un hecho: Harry Potter y la Cámara Secreta es la película menos interesante de la saga. Después de convencer más o menos a todo el mundo con la adaptación de la primera entrega, Chris Columbus se enfrentaba al reto de poner en imágenes la que es claramente la novela menos interesante de la saga: una vez ya hemos perdido el factor "introducción" de La Piedra Filosofal, el marcado tono infantil, ligero y mayoritariamente autoconclusivo no hace ningún favor a un Columbus que tampoco destaca en su puesta en escena. Menos mal que tiene a John Williams para darle un punto de épica extra al conjunto, como queda claro cada vez que escuchamos el mítico theme de la película.

En La Cámara Secreta conocemos a a Dobby y Draco Malfoy, viajamos al pasado de la mano de un joven Lord Voldemort y oímos hablar de Azkaban, pero nada de ellos es suficientemente determinante para el futuro de la saga o interesante por sí mismo para hacer de esta segunda entrega un gran momento de la saga. Tampoco ayuda la pronta desaparición de Hermione en la trama ni la abusiva duración de 160 minutos, como si de una película de Scorsese se tratase.

La Cámara Secreta sufre el efecto transición que pasa a menudo en las sagas de aventuras: no tiene la ventaja de introducirnos en el universo de la serie ni tiene un desenlace poderoso: es un entretenido y efectivo, pero poco brillante paso al tono más oscuro, interesante y dramático que supondría El prisionero de Azkabán.

Inconvenientes (más que defectos, si somos justos) al margen, La cámara secreta es una película entretenida y una adaptación fiel al material de Rowling, qunque yo la veo más como un puente que hay cruzar cuanto antes para llegar a lo verdaderamente potente de la saga.

Maratón Harry Potter: La Piedra Filosofal

2011-06-30T12:50:00.008+02:00

Dos millones de dólares. Ese es el precio que separaba, en 1999, a Warner Bros de los derechos de adaptación cinematográfica de los cuatro primeros libros de la serie de J.K. Rowling “Harry Potter”. Tras el rechazo de Steven Spielberg, que personalmente me resultaba una opción acertada, fue Chris Columbus el que llevaría a cabo la realización de la primera entrega con el libreto de Steve Kloves en mano, guionista de casi toda la saga.

Doce años después, es increíble cómo pasa el tiempo, estamos a pocas semanas del estreno de la última entrega de las aventuras de Harry y Warner Bros ha querido conmemorar este final organizando maratones en varios cines por toda España, evento al que La Última Película se ha unido sin dudar.

Harry Potter y la Piedra Filosofal funciona perfectamente como película introductoria a una larga e intricada historia de magos y brujas. A pesar de tratarse de una historia de gran continuidad, cada libro, y por tanto cada adaptación cinematográfica, elabora sus historias a partir de una trama prácticamente autoconclusiva que funciona como columna vertebral. Esto se aprecia de forma más clara en las primeras entregas pero La Piedra Filosofal tiene una particularidad y es que relega esa trama a un claro segundo plano, dedicando así la mayor parte del metraje a presentar ese maravilloso mundo de los magos.

Una década después, se estrenó en 2001, la magia de ese primer contacto con el mundo mágico consigue mantenerse. Volvemos a sorprendernos con las escaleras y los cuadros que se mueven, con la majestuosidad de Hogwarts, los hechizos y encantamientos y, en general, todos esos pequeños detalles que hacen tan especial este universo harrypotteriano. Destacar la brillante banda sonora original creada por John Williams, esas 30 notas que componen el leitmotiv principal ya han pasado a formar parte de la historia del cine.

Intrucciones de uso: Este primer contacto con la saga es el más infantil de todo lo que vendrá después. Poco a poco, la saga se va oscureciendo lo que probablemente la convierta en más interesante para aquellos que vean La Piedra Filosofal demsiado naif

Harry Potter y la Piedra Filosofal es divertida, sorprendente y, por supuesto, mágica. No es la mejor entrega pero es una puerta hacia un mundo muy especial lleno de conjuros malignos, deportes de riesgo, dragones, traiciones y tramas que van creciendo en torno al entrañable trío protagonista al que, literalmente, hemos visto crecer.

Todos somos principiantes en el amor

2011-06-24T12:05:00.007+02:00

El cáncer se ha llevado a los padres de Oliver (Ewan McGregor). Ella murió primero y Hal (Christopher Plummer), su padre, tras 45 años de casado reprimiendo una verdad otrora demasiado controvertida, decidió salir del armario y vivir una segunda juventud explorando ese mundo antes prohibido. Cuando Oliver conoce a Anna (Melanie Laurent) y comienza una indefinible relación entre ellos, él rememora los segundos pasos de Hal en el mundo del amor.

Mike Mills, admirado por la franqueza de su padre, en quien Hal está inspirado, decidió escribir y dirigir este título para compartirlo con el mundo. El propio Mills escribió sendas cartas a los actores pidiéndoles protagonizar esta producción independiente. A Plummer le contó porqué Hal era una inspiración para él mientras que con McGregor compartió su más sinceros sentimientos ya que Oliver le refleja a él mismo.

Mills nos hace partícipes de una historia muy pequeña pero con mucho corazón con dos líneas de trama entrelazadas: mientras Oliver intenta entender y avanzar en su relación con Anna, no puede evitar pensar y sentirse inspirado por la valentía de su padre. Ambas tramas combinan y ponen sobre la mesa los diferentes obstáculos de sus protagonistas, bien sean factores sociales externos como la homofobia o el conservadurismo al que se enfrenta Hal o los miedos internos de dos jóvenes como Oliver y Anna con temor a comprometerse en la relación equivocada y emular los errores de sus padres.

Mientras que el relato de Hal es conmovedor, divertido y realmente transmite la admiración que siente Mills por el personaje, toda la relación de Oliver con Anna queda en un claro segundo plano de interés y conexión con el espectador sirviendo como poco más que vehículo para mostrarnos las vivencias del personaje de Cristopher Plummer. Pequeña mención al pequeño Arthur, inseparable y adorable perrito de Hal que se convierte en el mayor confidente de Oliver.

INSTRUCCIONES DE USO: Como título indie que es, Beginners se alimenta mucho de colecciones de momentos y recuerdos mágicos, de pequeños detalles de la vida de sus protagonistas, esos momentos que significan mucho para uno mismo pero nada para los demás. No esperéis un relato con muchos aspavientos ni giros de guión.

Beginners emociona, interesa e inspira, está muy bien contada por un director que no teme dejarse llevar por la emotividad y subjetividad de las vivencias de su vida, lo que le da una inyección de verdad y autenticidad a la historia. Muy recomendable para quienes disfruten de este tipo de cine. Se estrena el 8 de Julio en España.

Travis Bickle, un antihéroe de ayer y hoy

2011-06-23T00:05:00.001+02:00

Todo el mundo está más o menos de acuerdo que el espectacular éxito planetario a mediados de los 70 de Star Wars y Tiburón son las responsables (culpables, dirán otros) de que el cine de Hollywood se haya convertido en lo que es hoy, pero Coppola, Friedkin o Scorsese son igual de responsables que Lucas y Spielberg en la transformación radical de un cine comercial que no dejaba de lado las ambiciones artísticas.

No hay más que ver una película como Taxi Driver para darse cuenta de que esta mítica cinta al servicio de un inolvidable Robert De Niro es mucho más radical, transgresora y moderna que el 99% del cine que vemos hoy en día en las pantallas. Hace unos meses el genial director neoyorquino demostraba con la polémica pero ocasionalmente brillante Shutter Island que, a sus 70 años, es capaz de rodar con más brío, garra y lucimiento visual que la gran mayoría de sus colegas contemporáneos.

Taxi Driver es cine en estado puro, una propuesta que vista treinta y cinco años después de su estreno nos queda claro que supuso un salto adelante visual y argumental que sintetiza las virtudes del mítificado - y con razón - cine de los años 70, cuando las nuevas promesas dejaban atrás la moda de musicales y peliculas más clásicas que triunfaron en la década anterior para apostar por un estilo seco, violento, arriesgado y provocador.

INSTRUCCIONES PARA USO: Comprátela, póntela en el TCM, vete a verla en la filmoteca... pero no te la pierdas: son películas como Taxi Driver las que han convertido del cine en el considerado séptimo arte. Pocas veces la asociación contínua de un director, un actor y un guionista han dado tanto de sí como la ecuación formada por tres incógnitas tan brillantes como Scorsese, De Niro y Schrader. Imprescindible.

Desprestigiado en la última década por unas elecciones profesionales que han dejado claro que le interesa más el dinero que recuperar una gloria que, seamos sinceros, jamás podría igualar, De Niro compone en la figura de Travis Bickle uno de los personajes más influyentes y fascinantes de la historia del cine. El ganador del Oscar por El Padrino 2ª Parte y Toro Salvaje (otra colaboración con Scorsese) se habrá hartado de escuchar de fans y no fans la inolvidable frase Are you talking to me?, pero eso es lo que tiene ser historia del cine.

¿Por qué hablo de Taxi Driver a estas alturas de la vida? Más allá de la terrible confesión de que no había visto una de las películas más emblemáticas de uno de mis directores top five, no puedo dejar de recordar que la siempre recomendable Filmoteca Nacional ha exhibido en las últimas semanas un ciclo en homenaje al músico Bernard Herrman, responsable de la banda sonora del film y célebre ante todo por sus trabajos para Alfred Hitchcock. Todo imprescindibles.

Esta vez sí, Woody Allen vuelve por la puerta grande

2011-06-22T16:22:00.014+02:00

Woody Allen no debía de estar en clase el día que el profesor dijo eso de que, a veces, en la vida, menos es más. A sus 75 años de edad, el cineasta neoyorquino mantiene su costumbre de estrenar una película todos los años hasta estar a punto ya de contar con 50 títulos en su filmografía como director. Tras años en la cuerda floja, lo podemos decir con todas las letras: el director de Annie Hall ha recuperado su mojo gracias a la más que recomendable Midnight in Paris.

Harto de ver cómo la prensa española sobrevaloraba la obra más reciente del neoyorquino, un servidor no sabía que pensar cuando leyó las críticas unánimas provenientes de Cannes que avisaban de las virtudes de su último trabajo, una comedia que le llevaba de nuevo a la muy cinematográfica ciudad de París.

La ciudad francesa, que ya visitó en la comedia musical Todos dicen I love you, es el escenario en el que se reune un fantástico grupo de actores en el que nos encontramos a Rachel McAdams, Michael Sheen, Marion Cotillard o Kathy Bates acompañan a un extraordinario Owen Wilson, un cómico que nunca había sido santo de mi devoción y que aquí sobresale como el carismático protagonista de una historia cuyos detalles jamás deberían ser revelados a los espectadores que aún no han visto la película (una deferencia que no han tenido muchas de las críticas escritas sobre el film).

Sin entrar demasiado en materia, el último paso en el tour europeo del director (que ya le ha llevado a Londres - en tres ocasiones - y Barcelona, con un rodaje previsto este verano en Roma) sigue a un escritor de televisión (cuyas aspiraciones artísticas son ponerse de una vez por todas a escribir una novela que desafíe sus habilidades creativas) que va de viaje a la ciudad parisina con su prometida y la familia de esta, quedando atrapado en una rutina y un futuro que le agobian.... hasta que encuentra una fascinante y un tanto mágica vía de escape.

INSTRUCCIONES DE USO: Dejad de lado la crisis creativa en la que se encontraba el director y guionista durante la última década: la aventura francesa de Allen convencerá y conquistará a los que se dieron por vencido con el director de la mediocre Conocerás al hombre de mis sueños o a los que, como un servidor, seguían viendo sus películas por defecto, sin interés ni pasión alguna. Una auténtica delicia.

Si Midnight in Paris (cuyo referente más directo en la filmografía del cineasta sería la fantástica La rosa púrpura del Cairo) sobresale como el mejor trabajo de Allen desde Match Point es porque se deja llevar visual y conceptualmente más allá , ofreciendo una propuesta visual sorprendentemente cuidada por Allen (que siempre ha prestado más atención a los diálogos que a la puesta en escena del film) y lanza una reflexión que debería ser tenida en cuenta: el mito de que todo tiempo pasado fue mejor probablemente sea eso... un mito.

Cuando ya pensábamos que Spielberg, Eastwood y Scorsese eran los únicos genios de los años 70 que aún tenían cosas que contarnos, el director de Midnight in Paris se saca un conejo de la chistera con una propuesta divertida, curiosa y llena de guiños que nos hace recordar por qué le consideramos durante décadas uno de los grandes del cine. Y está claro que no soy el único que lo piensa: esta deliciosa comedia va directa a convertirse en la película más taquillera de Allen en las dos últimas décadas.

Confesiones de una profe peligrosa

2011-06-20T16:49:00.005+02:00

Kanae Minato publicó en 2008 “Confessions”, novela que tras 2 millones de ejemplares se ha convertido en uno de los mayores betsellers japoneses de los últimos años. La adaptación cinematográfica no tardó en llegar y fue de la mano de Tetsuya Nakashima, realizador nipón que ha obtenido numerosos premios con este trabajo.

Es el último día de clase en un instituto y Yuko Moriguchi se despide de sus alumnos con un discurso de conclusión sorprendente: dos de los presentes son los culpables de la muerte de su hija de cuatro años. Y ya ha planeado su venganza.

Este es el punto de partida de una historia enfermiza y obsesiva para todos los que la protagonizan. Recurriendo a las ventajas del punto de vista múltiple, Nakashima nos relata la verdad de lo ocurrido a través de todos los personajes implicados: la profesora, los alumnos acusados, una compañera de los mismos, sus padres y el profesor sustituto.

Confessions es un drama duro e intenso con ciertos toques de thriller, género que erróneamente han querido destacar en la promoción de la película, que cuenta con unos personajes excéntricos y perturbados a los que la vida ha hecho mucho daño. Es una historia de muñecos rotos con asuntos sin resolver que cobran importancia casi letal en este contexto de presión y dolor. En la historia están implícitas ciertas denuncias sociales como la violencia estudiantil y su relación con la ley de menores, la incompetencia del sistema educativo y la sobreprotección o abandono de los padres, temas que hacen reflexionar y completan la historia.

Pero la verdadera fuerza de esta producción la encontramos en el aspecto visual. Una fotografía de mucho contraste con recurrente visión onírica y surrealista, apoyada por la dirección de Nakashima y sus planos imposibles y combinada con un montaje a cámara lenta y una banda sonora evocadora, atrapa desde el primer momento.

INSTRUCCIONES DE USO: Confessions es muy asiática en su ritmo, algo que se potencia mucho más con el uso de la cámara lenta, y no es apta para aquellos que no disfruten de una historia contemplativa, de ritmo irregular pero mayormente pausado y con una narración centrada principalmente en la psicología de sus personajes y los pequeños detalles que la caracterizan.

¿Por qué os cuento esto ahora? Resulta que el film de Tetsuya Nakashima no ha pasado, casi lógicamente, por las salas españolas y el 5 de julio estará disponible para su compra o alquiler en DVD. Warner ha distribuido hoy un trailer en español de la película. Un dato, el tema de Radiohead que aparece en el trailer es el tema principal de la película y fue ofrecido casi en exclusiva en su momento.

8ª edicion de Eurocine 27

2011-05-05T13:48:00.005+02:00

Resucito brevemente el blog (recordar que podéis escucharme hablar de cine en Esta Peli Ya la He Visto) para contaros de qué va esto del Eurocine 27. Me ha llegado en nota de prensa y no lo encuentro en la página oficial, así que la fusilo casi tal cual aquí y así estáis enterados.

Los cines Verdi Madrid se complacen en anunciar la 8ª edición de EUROCINE 27, evento cultural y cinematográfico de 27 películas europeas proyectadas en un solo día, que tendrá lugar el próximo LUNES 9 DE MAYO. Esta misma actividad se desarrollará simultáneamente en otras ciudades europeas como Budapest, Milán o Bruselas.

La entrada será GRATUITA (hasta completar aforo) para todo el mundo que desee acercarse a ver esta muestra cinematográfica, que coincide con la celebración del Día de Europa.

Una oportunidad única de descubrir joyas actuales del cine europeo (Die Fremde, Can Go Through Skin, A espada e a rosa, Hitler in Hollywood, Applause, The Runway…) de países tan diversos y con cinematografías tan poco conocidas en nuestro país como Estonia, Lituania, Eslovenia o la República Checa, además del cine de Francia, Gran Bretaña, Alemania, Italia o España, entre otros.

Atención: Sólo "Cuanto pesa su edificio, Sr. Foster" y "Die Fremde" serán proyectadas en versión original con subtítulos en español. El resto serán versiones originales con subtítulos en inglés.

TODA LA PROGRAMACIÓN Y HORARIOS DE EUROCINE 27 EN VERDI MADRID:

SALA 1

11:30 h. ¿CUÁNTO PESA SU EDIFICIO, SR. FOSTER? (How Much Does Your Building Weigh, Mr. Foster?, 2010) de Carlos Carcas y Norberto López Amado (España). 74 min.
Berlín y San Sebastián 2010. Nominada al Goya al Mejor Documental 2010.

13:00 h. THE VISITOR (Muukalainen, 2008) de J.-P. Valkeapää (Estonia).105 min.

16:00 h. PROTEKTOR de Marek Najbrt (República Checa / Alemania). 100 min. Candidata a los Oscar 2010 por la República Checa.

18:00 h. CAN GO THROUGH SKIN (Kan door huid heen, 2009) de Esther Rots (Holanda). 94 min.
Premio FIPRESCI Festival Internacional de Cine de Transilvania 2009.

20:00 h. DIE FREMDE (When We Leave, 2010) de Feo Aladag (Alemania). 119 min.
Premio LUX 2010.
Nominada a los Premios de Cine Europeo 2010: Película Revelación y Mejor Actriz.
Premios de Cine Alemán y Festival de Cine de Tribeca 2010: Mejor Actriz.

22:30 h. YOUNG GIRLS IN BLACK (Des filles en noir, 2010) de Jean-Paul Civeyrac (Francia). 85 min.

SALA 2

11:15 h. SESIÓN DE CORTOMETRAJES EUROPEOS (72 min.).

12:30 h. THE SWORD AND THE ROSE (A espada e a rosa, 2010) de João Nicolau, con Maria de Medeiros (Portugal / Francia). 142 min.
Mostra de Venecia 2010 (Sección Horizontes).

16:00 h. SUICIDE ROOM (Sala samobójców, 2011) de Jan Komasa (Polonia) 88 min.

18:10 h. SHELTER (Podslon, 2010) de Dragomir Sholev (Bulgaria). 88 min.

20:10 h. HITLER IN HOLLYWOOD (HH, Hitler à Hollywood, 2010) de Frédéric Sojcher (Bélgica / Francia). 85 min.
Festival Internacional de Cine de Karlovy Vary 2010.

22:00 h. AKAMAS (2006) de Panikos Chrissanthou (Turquía / Hungría / Grecia / Chipre). 124 min.

SALA 3

13:00 h. INITIATION (Blutsfreundschaft, 2009) de Peter Kern (Austria / Alemania). 92 min.

16:00 h. DRAFT DODGERS (Réfractaire, 2009) de Nicolas Steil (Luxemburgo / Suiza). 97 min.

18:00 h. LIQUID LOVE (Amore liquido, 2009) de Marco Luca Cattaneo (Italia). 100 min.

20:00 h. APPLAUSE (Applaus, 2009) de Martin Zandvliet, con Paprika Steen (Dinamarca). 85 min.
Premio a la Mejor Actriz y Label Europa Cinemas: Festival Int. de Cine de Karlovy Vary 2009.

22:00 h. PLATO’S ACADEMY (Akadimia Platonos, 2009) de FilipposTsitos (Grecia). 103 min.
Festival Internacional de Cine de Locarno 2009: Leopardo de Plata al Mejor Actor.

SALA 4

13:00 h. THE TEMPTATION OF ST. TONY (Püha Tõnu kiusamine, 2009) de Veiko Õunpuu (Estonia / Finlandia / Suecia).103 min.
Sección Oficial - Festival de Sundance y Festival Internacional de Cine de Rotterdam 2010.

15:45 h. PIRAN – PIRANO (2010) de Goran Vojnovic (Eslovenia). 111 min.

18:00 h. PURE (Till det som är vackert, 2010) de Lisa Langseth (Suecia).101 min.

20:00 h. THE RUNWAY (2010) de Ian Power (Irlanda / Luxemburgo). 101 min.

22:00 h. BIBLIOTÈQUE PASCAL (2010) de Szabolcs Hajdu (Hungría). 111 min.
Festival Internacional de Cine de Berlín 2010.

SALA 5

13:00 h. BROKEN PROMISE (Nedodrzaný slub, 2009) de Jirí Chlumský (Eslovaquia / República Checa). 129 min.

16:00 h. LOW LIGHTS (Artimos sviesos, 2009) de Ignas Miskinis (Lituania / Alemania). 92 min.

17:50 h. RUDOLF’S INHERITANCE (Rudolfa mantojums, 2010) de Janis Streics (Letonia). 114 min.

20:15 h. EVERYWHERE AND NOWHERE (2011) de Menhaj Huda (Gran Bretaña). 95 min.

22:15 h. MORGEN (2010) de Marian Crisan (Rumanía). 100 min.

VIII Muestra de Cine Fantastico de Syfy

2011-03-05T13:12:00.007+01:00

Ya hace ocho años que Syfy organiza en Madrid su Muestra de Cine Fantástico y, como siempre, La Última Película va a estar ahí para hablaros de los títulos programados.

Este fin de semana de cine arranca hoy mismo con la última película de Matt Damon, Destino Oculto, que llega a las salas mañana mismo. A partir de ahí, tenemos una selección de películas variopinta que va desde la clásica cinta de terror con sus protagonistas perseguidos por un bosque hasta los exorcismos, pasando por samurais o curas vampiro.

A continuación tenéis el programa de la muestra, que también servirá como contenedor de enlaces a las diferentes críticas que vayamos escribiendo tras ver los títulos.

Atención: Ha habido algunos cambios de última hora en el horario debido a problemas técnicos.

Viernes 4.
16:30h: Sesión de cortos presentados y premiados a la XXI Semana de cine fantástico de Sitges.
18:00h: Cherry Tree Lane
20:00h: Thirteen Assassins
22:30h ~~Tucker and Dale VS Evil~~ Salvage
00:30h Shadow

Sábado
16:00h I Saw The Devil
19:00h: Caged
20:50h: Giallo
22:45h Hatchett II
00:30h: Hecho en Syfy, Dinocroc vs. supergator

Domingo
15:45h: Nueva sesión de Tucker & Dale Vs. Evil
17:00h Thirst
20:00h Dream Home
22:30h El Último Exorcismo

Las entradas se pueden adquirir en las taquillas de los cines Palafox de Madrid, donde se celebra la muestra, por 4€ por película y también en Entradas.com. Además, existe un bono que por 40€, permite ver todas las películas del festival.

Para más información sobre las películas y la muestra en general podéis acudir a la web oficial del evento.

Sobre los cortos nominados a los Goya 2011

2011-02-13T16:36:00.009+01:00

Esta noche los Goya celebran su aniversario de plata. Desde aquella edición en 2003 en la que el “NO a la guerra” fue el gran protagonista no recuerdo un ambiente tan polémico como el que hemos vivido estas últimas semanas en torno a la industria del Cine español. Veremos de qué forma se refleja este asunto en la gala de esta noche pero, hasta entonces, voy a hablar un poco de los cortos de animación y ficción nominados que pude ver en la inauguración de Cortogenia 2011.

CORTOS DE ANIMACIÓN

Exlibris
Este corto de María Trénor pretende ser un homenaje a los libros, al placer de leer y a una de las obras más emblemáticas de nuestra literatura. Si bien el mensaje queda claro desde el principio, la historia resulta muy repetitiva, la animación muy de andar por casa y todo se queda en un intento bastante austero e insípido.

La Bruja
Una romántica bruja busca el amor en este corto de Pedro Solís García. La animación es muy de andar por casa y la historia, que sucede en un entorno mágico, tiene toques cotidianos curiosos pero no pasa de ser un corto simpático.

La Torre del Tiempo.
Este título de Jose Luis Quirós es de lo peorcito de todas las categorías y es que La Torre del Tiempo parece una mala y cutre intro de videojuego. Pretende hacer una reflexión sobre la vida, la muerte y el tiempo y se queda en una historia muy poco interesante, que carece de gancho y con una mitología confusa que el espectador ni se preocupa en entender.

Vicenta
Este es, a mi parecer, el mejor corto de la categoría. Vicenta es víctima de un avaro marido que la ningunea hasta tal punto de no dejar que tenga acceso al dineral que hace años ganaron en la lotería, dineral que se convierte en el centro de esta genial producción. Con una animación por stop motion excelente, Vicenta nos regala una historia cachonda, muy entretenida, con guiños y homenajes cinematográficos y sin ningún pudor a la hora de pasarse de explícita, violenta y absurda. Clara ganadora para mí.

CORTOMETRAJES DE FICCIÓN

Adiós papá, adiós mamá.
Luis Soravilla hace una reflexión sobre lo complicado que le resulta a la juventud actual emanciparse, acompañado con esa tarea complicada que es la comunicación entre padres e hijos y lo hace de una forma muy simpática y con un reparto muy notable en sus papeles. Es un visionado agradable pero que pierde fuerza cuando se compara con el resto de los candidatos.

El Orden de las Cosas
A estas alturas, el tema del maltrato a la mujer es un tema muy manido en nuestro cine y reconozco que mi mirada ante esta historia era bastante recelosa. Sin embargo, he acabado maravillada con la poética y la metáfora en las que se envuelve esta cruda y dura historia con una espléndida Manuela Vellés, que tiene un don natural para sufrir en pantalla, en el papel de una joven que gota a gota ve su vida ahogarse ante sus ojos. Un visionado muy recomendable que sería justo merecedor de un premio que me extrañaría que no recibiese.

Una Caja de Botones
Es navidad y las dificultades económicas de un padre le impiden comprar un regalo para su hija pequeña que descubrirá mucho antes de lo debido la verdad sobre los Reyes Magos. María Reyes Arias es eficiente a la hora de contarnos su historia sobre el poder de la imaginación e ilusión de la infancia, sobre la importancia del apoyo familiar y la amistad, pero no consigue emocionar ni conectar con el espectador. El discurso llega, pero no interesa.

Zumo de limón.
Hay un dicho que dice que si la vida te da limones, haz limonada. Jorge Muriel y Miguel Romero nos cuentan la historia de esa limonada tan amarga que es casi imposible de digerir. Una historia sobre el invierno de una pobre anciana con demasiado carácter que se queda sin su compañero de toda la vida y tiene que enfrentarse a la soledad del abandono por parte de sus hijos. Es un homenaje a nuestras abuelas, una deliciosa y conmovedora historia de un nieto que cree firmemente que todos hemos cometido errores en nuestra vida pero que no por ello merecemos pasar solos nuestros últimos años sobre la tierra. Zumo de limón es un corto muy emocional y amargo que deja un nudo en el estómago y hace que llames a tu abuela nada más salir de la sala. Sin duda el que más he disfrutado y mis favoritos de entre todos los nominados.

Veremos que sucede esta noche en el Palacio Real de Madrid. A partir de las 22:00h de hoy domingo 13 de Febrero, la Plaza de Oriente se llenará de las estrellas de nuestro cine y Andreu Buenafuente será el encargado de presentar la gala que podremos ver en La 1. Aún estáis a tiempo de hacer vuestra quiniela.

Cinco motivos por los que “Enredados” te sorprenderá

2011-02-10T12:34:00.010+01:00

El fin de semana pasado se estrenó en España el último título animado de Disney, Enredados, nuevo acercamiento a la historia de Rapunzel de los Hermanos Grimm. Personalmente, desde Tarzán no había disfrutado tanto de una película animada de Disney (aunque decir que Bolt y El Emperador y sus Locuras pueden salvarse). ¿Por qué me ha gustado tanto Enredados?

Pascal y Maximus
En este tipo de aventuras animadas solemos encontrar siempre estos animalitos simpáticos que acompañan al protagonista pero con el camaleoncito bravucón y el caballo cabreao han dado en el clavo. Siempre que aparecen, ponen la guinda cómica y entrañable a la secuencia. Son de lo más divertido de la película y, sobretodo Pascal, aparecen mucho más de lo que suelen hacerlo estos comparsas.

Gothel, la villana.
Disney tiene muchos villanos memorables difíciles de superar (ahí están los grandes Ursula y Jafar) pero han acertado mucho con Gothel. Sin pasarse de excéntrica, a ese toque melodramático que le da a sus frases cuando habla con Rapunzel sólo le faltaría la palma en la frente para ser del todo genial. Esas frases sufridas y exageradas tipo “te he encontrado siguiendo el rastro de la traición” quedan en la memoria. También destaca el hecho de que en Enredados, el mayor villano de Rapunzel no son los obstáculos físicos ni otros personajes sino sus propias dudas y limitaciones mentales, algo que eleva mucho la historia.

Es y no es la clásica historia de Disney
Al hilo de lo anterior, Enredados es una historia Disney. Eso está claro. Tiene los grandes tics de sus películas y la historia es tan predecible como cabría esperar pero, sin embargo, tiene pequeños detalles de tono y enfoque que sorprenden gratamente. Además de lo que he comentado de Rapunzel, la película tiene salidas y gags muy dirigidos al público adulto que se agradecen MUY mucho y tiene momentos, de apenas segundos y sin diálogo, con una carga emocional altísima.

No sufre el síndrome “desenlace coñazo”.
Hay cierto tipo de géneros que son muy susceptibles de caer en el síndrome “desenlace coñazo”. El de comedia romántica es un gran ejemplo. Solemos encontrarnos con una primera hora más divertida que, en el momento en el que arranca el clímax empieza el desenlace dramático. Esto ocurre mucho con la animación de los últimos años, que trata de divertir a niños y adultos en su arranque pero, en el momento en el que la trama comienza a avanzar de verdad, la previsibilidad y necesidades de un cuento infantil elimina ese escaso y forzado gamberrismo. Esto no pasa en Enredados que, aunque tremendamente predecible, mantiene el nivel de humor juguetón y desvergonzado hasta el mismo final de la historia.

La animación y el 3D
Que la animación iba a ser estupenda es algo que personalmente daba por hecho, pero hay que resaltar dos cosas. Una son los ambientes. Crea atmósferas realmente bonitas del bosque (inspirado en el Parque Natural de Yosemite que tuve la suerte de visitar el pasado verano) y mágicas como la secuencia de los farolillos. Personalmente estaba bastante desencantada con el tema 3D, ya que con muchas películas animadas no deja ser un mero sacacuartos que luego no merece la pena sólo por una capa de fondo (UP es un gran ejemplo), pero en Enredados está bastante bien aprovechado y no te sientes estafado.

Enredados tiene algunos puntos negativos. El más grande y evidente son las canciones, que podrían ser geniales y sin embargo las letra de la mayoría de ellas da algo de vergüenza ajena. Suerte que no cantan mucho. Sin embargo, estos puntos negativos quedan eclipsados por el conjunto, que me ha sorprendido muy gratamente y me ha traído esa magia de Disney que tanto echaba de menos.

127 horas son mas que cinco días

2011-01-27T14:19:00.011+01:00

Aron Ralston es un aventurero. Un buen día de 2003 decidió ir a dar un paseo por Blue John Canyon, pero quedó atrapado entre dos paredes de roca sin más ayuda que lo que tenía a mano. Tras cinco días atrapado, y siendo consciente de que nadie sabía donde estaba ni probablemente le echaban de menos, la única opción que le quedaba era dejar su brazo en aquel entorno rocoso para siempre.

Esta es la historia que nos cuenta Danny Boyle en su última película como director, en la que vuelve a su yo más videoclipero y tan crudo y onírico como le recordamos de títulos como Trainspotting.

Con la remarcable interpretación de James Franco como Ralston, 127 horas es una experiencia visual más que narrativa. Durante la hora y media de su protagonista atrapado en una roca, somos testigos de la evolución de una persona cada vez más consciente de su propia muerte.

127 horas es muy efectiva a la hora de transmitir sensaciones. El uso de la luz, los planos subjetivos y de unos puntos de vista muy diferentes y orgánicos, consigue conectar con los cinco sentidos del espectador, que se descubre paladeando los pequeños tragos de agua de Aron o casi sintiendo el agradable calor del sol en su piel.

Boyle se mete en la mente de Ralston y opta por hacer un cocktail de sueños, recuerdos e intento de supervivencia muy efectivo que narrativamente en ocasiones pierde el norte pero es tan hipnotizante que no importa. Además, disfruta jugando con el espectador y la información que éste tiene de la historia y su final.

Los medios han destacado esos 3 minutos de angustia tan explícitos que han provocado desmayos en algún festival pero 127 Horas es mucho más que eso. Es un experimento de realización interesante y recomendable.

Se estrena el 7 de Febrero en España.

PD: Quiero agradecer a 20th Century Fox España por invitarnos a mí y a otros bloggeros a un pase exclusivo en sus oficinas. Apreciamos mucho este tipo de iniciativas que aún no abundan entre el mundo blogger.

Burlesque no es lo trash que deberia ser

2010-12-23T18:34:00.002+01:00

Después de la decepción con Nine, llega a nuestras pantallas un nuevo musical con unas intenciones muy distintas a las que tenía el film de Rob Marshall. Para presentarlo, han venido a Madrid sus principales protagonistas: Christina Aguilera, Cher, Kristen Bell, Cam Gigandet y su director Steve Antin.

Tras aplaudir cual fan crepuscular ante la presencia de mi semidiosa personal Kristen Bell, abrí completamente mi mente para tratar de disfrutar de la historia de Ali, una paleta de pueblo que decide ir a Los Angeles a comerse el mundo como cantante y bailarina.

Burlesque es lo que uno cabría esperar. Absolutamente predecible, inundada de tópicos y gratuidades, consigue ser lo suficientemente entretenida como para poder incluirse en la codiciada burbuja de los placeres culpables.

A su favor también tendríamos que colocar la realización de los números musicales (desde la coreografía, la dirección artística o el propio trabajo de Antin) y un Stanley Tucci en su línea de estupendo actor con facilidad tremenda para la comedia sarcástica, sobretodo cuando su personaje es gay. De hecho, Sean no dista mucho de Nigel, aquel ayudante snob de Meryl Streep que era en El Diablo Viste de Prada.

Sin embargo, Burlesque se queda a medias. Se toma demasiado en serio a sí misma. No tiene ese toque naif que tenía El Bar Coyote (de la que bebe gran parte de su guión) ni la cohesión narrativa de los números de Chicago (magnífico musical al que Burlesque evidentemente ni le huele los talones). Tiene momentos risibles a los que le falta el toque autoparódico que al que sí que recurren en otras secuencias.

Destacaré las dos baladas de sus protagonistas, Aguilera y Cher, que son muy conmovedoras. Hay que decir también lo sorprendente que me resulta que no tengan ni un solo dúo de ambas juntas y lo indignante que para mí, fan de Kristen, me resultó ya no lo poquísimo que aparece sino que no tenga su propio número musical dadas sus habilidades para ello.

En definitiva, Burlesque no es una maravilla de lo trash como Showgirls ni una película adorable como El Bar Coyote ni un musical excepcional como Chicago o uno vibrante como Moulin Rouge…. Pero como placer culpable puede valer.

58 ed. Donostia: Elisa K [España]

2010-12-13T12:50:00.001+01:00

Este es uno de esos títulos hechos para los críticos cinematográficos gafapastiles que orgasmean sólo escribiendo sobre ellos con frases y metáforas lo más rebuscadas posibles sin importar que realmente luego no digan nada. Ah, sí. Ganó el premio especial del jurado del festival.

Dicho eso (y sintiéndome mucho más liberada) tengo que decir que Elisa K no es una mala película. Por supuesto que no. Pero sí es pretenciosa, y mucho. Esa mezcla de la narración en prosa literaria nada cinematográfica de mano de la voz en off unida al blanco y negro consiguió que la viese con recelo desde el primer momento.

Judit Colell, que ya nos aburrió en una pasada edición del festival con 53 días de invierno, se enfrenta a un tema complicado que, a la vez, no deja de estar algo manido. Desconozco la novela original sobre la que se basa el relato pero a mí toda la historia se me antoja una justificación creada en torno a la desgarradora secuencia que tiene Aina Clotet al término de unos lentos 70 minutos.

¿La recomiendo? No precisamente. No cuenta nada especialmente nuevo, estilísticamente no supone ninguna revolución y no destaca prácticamente en ningún aspecto salvo, quizá, la interpretación. ¿Es una pérdida de tiempo verla? Pues tampoco.

A pesar de todo lo dicho, Elisa K no deja de ser una historia conmovedora con unas buenas interpretaciones cuya naturaleza requiere una conexión con el espectador desde el principio que, si se consigue, probablemente se disfrute de una forma que yo no fui capaz de conseguir.

Ohhhh… Esta peli ya la he visto!

2010-12-07T12:35:00.009+01:00

Casi me siento mal actualizando el blog con autobombo. Últimamente mi frecuencia de posteo deja mucho que desear. Casi no tengo tiempo. Pero realmente esta entrada spamera no deja de informaros de otra vía por la que escucharme hablar de cine :p

Hace unas semanas comencé un nuevo proyecto… “Esta peli ya la he visto”. Es un podcast de cine quincenal que hago junto con Ramón Rey, un conocido de la podcastfera en general y cinéfila en particular.

En cada programa analizamos la actualidad cinematográfica que nos llama la atención, hablamos de las últimas películas que hemos visto o valoramos los estrenos que están por venir. El hueso de cada programa es la sección “La Ventana Indiscreta”, donde diseccionamos una película a fondo.

A esas secciones base que vamos alternando, se le unen otras más aleatorias que van desde comentar un trailer curioso, hacer un ranking de películas por su director, género o la clasificación que se nos ocurra o dedicar una sección a defenestrar títulos malos malísimos. También, por supuesto, tenemos una sección del oyente donde comentamos todo lo que nos van diciendo vía twitter, facebook, mail o blog.

Todo esto lo intentamos hacer de forma entretenida, desenfadada y dejando el gafapastismo lo más a un lado posible :p

Pero la mejor forma de que descubráis lo que tenemos que ofrecer es que os paséis por la web del podcast, donde podéis encontrar los cinco episodios publicados hasta el momento, las diferentes plataformas donde podéis encontrarnos y todas las vías para descargar y escuchar los programas. También he colocado un reproductor en el sidebar de La Última Película ;)

Por supuesto, sigo formando parte del genialoso equipo de OhhhTV! Podcast, donde cada programa seguimos hablando de cine y, sobretodo, televisión desde nuestro punto de vista. Y ahora mismo tenemos un sorteito en marcha!

Así que nada, espero que disfrutéis de Esta peli ya la he visto. Os invito a comentar por aquí o por cualquier vía de las que ofrecemos en el podcast lo que os ha parecido y si, en cuanto a comentar películas, me preferís hablando o escribiendo ;)

Un abrazo.

58 ed. Donostia: Post Mortem [Chile]

2010-12-03T13:45:00.004+01:00

No voy a hacer el chiste fácil de reírme de la naturaleza post mortem de esta crítica, que escribo tras resucitar del sopor que me provocó la película. Bueno, ya lo he hecho.

Post Mortem es una de esas historias excesivamente contemplativas que tanto gozan ensalzando los críticos gafapasta. Una es la primera que valora como la que más de historias con su propio ritmo o dinámica lentos como Buda explotó por vergüenza o incluso Huacho. Son ese tipo de historias que generalmente sólo me encuentro en festivales y que me gusta disfrutar. Me gustan los relatos naturalistas y reales que se detienen en la importancia de los pequeños detalles, en las diferentes formas de vivir y las cadencias que les caracterizan.

Sin embargo, no soporto esas historias que intentan crear realismo de forma artificial para elevar el mensaje. Sinceramente, no es necesario que tenga que sufrir a un señor aburrido tomar unos huevos fritos para cenar desde el momento en el que saca la sartén de su armario ~~viejo~~ vintage hasta que se los come con lentitud para darme cuenta de la vida solitaria que lleva. Sobretodo cuando llevo veinte minutos de película dedicados a contarme con pelos y señales exactamente lo mismo.

He tenido que pasar por otros films del estilo durante el festival pero este es seguramente el peor. Los personajes son completamente olvidables y no consiguen absolutamente ninguna conexión con el espectador lo que, unido a la lentitud, lo insípido y lo insustancial de la historia, tiene como resultado una film soporífero, con dos protagonistas odiosos que, además, intenta trascender más de lo que debería vinculando las vacías historias con un contexto social que va y viene según conviene que resulta totalmente artificial.

La cinta de Pablo Larraín ha recibido muchos aplausos en varios festivales. Quizá sea una necia que no entiende la profundidad de la historia o me pierdo en la traducción al no tener demasiado conocimiento de la realidad histórica de la historia, que personalmente me resulta impostada, pero Post Mortem me ha resultado un bodrio pretencioso e insoportable.

Harry Potter y las Reliquias de la Muerte, parte 1

2010-12-01T14:31:00.008+01:00

Siempre he sido fiel y ávida seguidora de la saga Harry Potter desde sus inicios. Las películas me introdujeron en su mundo y a partir de ahí, entré en los libros y demás. Aunque creo que todos los títulos se han mantenido siempre en un nivel más que aceptable de entretenimiento e interés, con altibajos, claro, sí es cierto que la última que habíamos visto, Harry Potter y el Misterio del Príncipe, fue una de las entregas más flojas.

En Las Reliquias de la Muerte, primera parte, el mismo equipo nos ofrece todo lo contrario: una de las mejores entregas del mago que combina de forma excelente todos los géneros en los que se mueve. Desde el misterio, la tensión o la acción más pura hasta los alivios cómicos o los momentos más dramáticos o sentimentales, David Yates nos lleva de la mano en este preámbulo al gran desenlace de la historia.

Esta penúltima entrega partía de un problema de base que han sabido superar con creces y es que el contenido de la primera mitad del último libro de Potter es considerablemente lento y se centra más en las luchas internas de sus personajes y su relación con los demás que en propio desarrollo de la historia. Este potencial handicap se convierte sin embargo en una de las mejores bazas de la historia ya que, como sí ocurría en anteriores entregas, la narración no se ve obligada a concentrar toda la información de una sola novela en dos horas de película y puede poner así, el foco en los pequeños detalles, en los silencios, y recrearse en detalles que de otra forma no habría podido explotar.

Lo mejor: Que haya conseguido superar el recelo con el que nos hemos acercado a verla algunos y lo haya hecho de forma tan notable.
Lo peor: Que siempre existan esos hooligans puristas de la obra original que sacan punta a cada detalle que ellos habían visto de otra forma.
La secuencia: Podría decir muchas (y de naturaleza muy variada) pero quiero aprovechar para aplaudir ese pequeño corto dentro de la película que cuenta, con una animación muy peculiar y algo Burtoniana, el origen de las Reliquias de la Muerte.

Harry Potter y las Reliquias de la Muerte, primera parte, es un título de lo más divertido, interesante, con un toque oscuro muy atractivo, esa atmósfera y tratamiento visual tan cautivador propios de la saga y, en definitiva, muy entretenido y completamente recomendable.

58 ed. Donostia: Hjem til jul (Home for Christmas [Noruega]

2010-11-10T17:37:00.006+01:00

En navidad lo que se llevan son esas historias sobre la importancia de la familia y la amistad normalmente contadas desde un punto de vista optimista. Home For Christmas no es una excepción. Adaptada de una selección de historias cortas del autor noruego Levi Henriksen, nos presenta pedacitos de las vidas de un grupo muy heterogéneo de personajes, desde un vagabundo hasta un médico a domicilio.

Esa diversidad de personajes y sus múltiples formas de amor recuerda mucho a la estupenda Love Actually, con la que es imposible no comparar. Sin embargo hay algo en lo que Home for Christmas se desbanca y es el tono. Aunque hay bastantes dosis de humor, de esperanza y de ternura, también hay mucho hueco a la desesperación y la tristeza. Es una combinación agridulce bastante equilibrada que hacia el final se inclina más por el drama que por la comedia.

Como ocurre en este tipo de títulos corales, hay historias con más fuerza, más originales o con las que conectas más y otras menos interesantes que se convierten en pequeños baches, ya que la percepción de ellas es mucho peor al estar deseando que pasen a la siguiente.

Home for Christmas es una de esas historias de personajes entrañable y emocional que vienen estupendamente para una tarde lluviosa de domingo. Ah! Y mejor en navidades y en compañía.

43 ed. Sitges: Thirteen Assassins.

2010-10-22T12:57:00.005+02:00

El samurai Shimada recibe el encargo secreto de matar al hermano del Shogun, Naritsugu, que carece de todo escrúpulo y su ascenso al poder está dejando muchas vidas en el camino. Reunirá a doce hábiles samurais para la tarea. ¿Problema? Son 13… contra todo un ejército controlado por Naritsugu.
Takashi Miike vuelve a la carga con esta historia de violencia, honor y muerte que divide en dos partes de estilo, propósito y ritmo muy diferenciados.

La primera es una larguísima presentación de la situación. Miike nos relata, poco a poco, los entresijos entre los clanes de samuráis, los problemas creados Naritsugu y cómo Shimada va reuniendo poco a poco a esos trece dignos samuráis. Los mejores.

El estilo aquí es más sobrio, clásico y elegante pero todos esos diálogos y ese ritmo tan pausado hacen que se haga algo tedioso. No ayuda tampoco el hecho de que los nombres japoneses (y los rostros) nos resultan tan ajenos que es complicado seguir a quien se refieren en todas estas conversaciones. Pero, tranquilos, tendréis vuestra recompensa por estar concentrados durante esa primera parte…

La segunda es un desquiciado, enérgico, vertiginoso y divertidísimo baño de sangre. De alguna forma, Miike es capaz de prestar gran atención a detalles como las diferentes técnicas samuráis (tema que siempre me ha gustado, tengo que confesarlo) y todos esos códigos de honor suyos a la vez que se mueve entre frenéticas secuencias de lucha. En ese sentido, los recursos en la batalla son los usuales en el género (y derivados de esa forma peculiar e incomprensible a veces que tienen los espadachines nipones de pelear) pero esa atención por el detalle, el valor de las pausas dentro de toda esa locura y una ambientación y atmósfera excelentes es lo que hacen que esta apabullante segunda parte del film prevalezca sobre todos los puntos negativos que podríamos enumerar. Por cierto, la cinta se llevó el premio al mejor diseño de producción y el premio del público.

Si te gustan las batallas sangrientas. Si disfrutas con las formas elegantes pero contundentes de la lucha samurai y, en definitiva, si quieres pasar un buen rato, Thirteen Assassins es tú película.

43 Ed. Sitges: La Casa muda

2010-10-21T12:06:00.000+02:00

Una hija y su padre se mudan a una casa para trabajar para su dueño. Puertas y ventanas están tapiadas y poca luz del exterior consigue colarse en su nuevo hogar. Laura intenta dormir pero no puede: oye ruidos en el piso de arriba. A partir de ahí ya os podéis imaginar.

Yo fui a Sitges con ganas de ver una película que me hiciera pasar miedo de verdad como no me ocurría desde que grité con [Rec] y eso esperaba de La Casa Muda. Desgraciadamente no fue lo que me encontré. Nada de lo que digo lo consideraría spoiler pero si sois muy estrictos con esto, saltaos el quinto párrafo.

Y digo que os podéis imaginar porque La Casa Muda es un cúmulo de recursos típicos del género. El gran problema de este film Uruguayo es que tarda mucho en arrancar. Muchísimo.

Se jacta de estar rodada en una sola toma (algo que es evidentemente falso y que canta mucho en la cinta) y utiliza el recurso de estar basada en una historia real para tratar de darle más realismo al asunto pero no se centra en lo que verdaderamente importa: provocar tensión. Juega mucho con la oscuridad, con lo que ni Laura ni el espectador ven y con el silencio, como debe ser, pero la acción entra tan tarde y los impactos son tan predecibles que no consigue provocar el susto.

Se hace repetitiva ya no sólo en la forma de llevar la tensión (Hija mía, Laura, si vas a otear cada rincón de forma tan rigurosa, haz inventario ya que estás) sino también en la historia. ¿¡Donde se ha visto que después de un radical giro de trama la cosa vuelva a repetirse de nuevo?! Frases incluidas. No me olvido de la absurda sorpresa final, completamente efectivista y que carece de coherencia con la mitad de la película. Ah y, por supuesto, tenemos la secuencia redentora tras los créditos, no os la perdáis :P

El miedo es algo muy personal y depende de muchos factores. Quizá yo (y mi acompañante) no estábamos en la actitud correcta. Quizá La Casa Muda debería haber sido más dinámica y olvidarse de jugar a ser “en tiempo real”. Quizá la intención de su director sólo es concentrarse en el aspecto formal, que es estupendo, todo hay que decirlo en detrimento de su calidad como film de terror. Hay muchos “a lo mejores” pero lo que yo tengo claro es que La Casa Muda no es una buena película. Eso sí, no voy a ocultarlo: me reí mucho viéndola y eso no me lo quita nadie.

43 Ed. Sitges: Colorful.

2010-10-20T18:17:00.007+02:00

Eres un alma. Un alma vagando en algún lugar del cielo. Un ángel guardián se te acerca de repente y te informa que has sido premiado. Tienes una segunda oportunidad. Un niño, Makoto, se ha suicidado y tienes la oportunidad de ocupar su puesto.

Ya desde el comienzo, con una perspectiva en primera persona, Colorful nos invita a ponernos en el lugar del nuevo Makoto, un joven que vive entre la falta de comunicación familiar, la marginación e incluso el abuso escolar. Debe acomodarse en este ambiente tremendamente hostil y ajeno y ser capaz de retomar su vida mientras trata de descubrirse a sí mismo.

A pesar de su título, Colorful es una película gris con un protagonista gris. El punto de partida tan interesante consigue enganchar a la historia desde el principio pero ese ritmo lento, con muchos silencios y la gran carga dramática la convierte en tediosa en algunos tramos.

Es de esos títulos que hay que ver en el momento adecuado preparados para ver algo con este tempo tan calmado y un estilo que es hasta comedido en la animación y no aprovecha del todo el poder del color de su título para dar más vida y contrastes a la historia.

Con todo, Colorful es una buena película que reflexiona sobre temas interesantes, que resulta emotiva y que ofrece un abanico de situaciones adolescentes entre las que es difícil no encontrar alguna similitud con nosotros mismos que nos conecte con la historia.

43 Ed. Siges: Secuestrados

2010-10-15T11:02:00.001+02:00

Una familia se muda a una nueva casa en una urbanización de gente bien. Esa noche, tres encapuchados irrumpen en su casa desatando el horror. Este es el simple pero arrollador planteamiento de otro de los mejores títulos que he podido disfrutar en la presente edición del festival de Sitges.

Secuestrados está rodada aproximadamente en once planos secuencia que arrastran al espectador a hora y media de tensión, frustración y desazón. Miguel Ángel Vivas huye de explicaciones innecesarias y aclaratorias o de giros artificiales centrándose en la idea de que algo así puede ocurrirle a cualquiera, haciendo que esta sobrecogedora historia provoque aún más malestar y congoja.

Esta ansiedad se consigue en gran parte gracias a la decisión de Vivas de rodar todo el metraje en una decena de planos secuencia. Eliminados los planos contraplanos y con el añadido de lo que se percibe como tiempo real, la inmersión del espectador en la historia es casi total desde el primer minuto. Por supuesto, este experimento no sería posible sin un elenco a la altura de las exigencias de la propuesta. Tanto secuestrados como secuestradores se entregan totalmente a una acción intensa y casi sin respiro, entrando totalmente en unos papeles con dificultad añadida por aquella acertadísima decisión de rodar en planos secuencia larguísimos, trepidantes que en muchas ocasiones son un admirable ejercicio de coreografía que resultan una inyección de naturalidad de lo más eficaz.

Que no os confundan algunos comentarios, esto no es Martyrs ni una sucesión de violencia sin sentido. Es más al estilo de Funny Games pero sin artificios, como decía.

Secuestrados es tensión pura y dura. Sí, tiene momentos bestias y no se corta a la hora de mostrarnos la violencia, pero no llega a ser desagradable ni a provocar rechazo. Es una angustia de esas que se disfrutan.

43 Ed. Sitges: Carne de Neón

2010-10-14T12:15:00.002+02:00

Con algunas críticas aún pendientes del 58 Festival de Donostia, comienzo a hablaros de mi poco fructífera asistencia al 43 Festival Internacional de Cine Fantástico de Sitges. Digo poco fructífera porque la organización del festival ha dejado bastante que desear y esperemos que se replanteen el sistema de cara a próximas ediciones.

Dicho esto, y sin olvidar mencionar mi gran decepción al ver que el homenaje a Regreso al Futuro por su 25 aniversario había sido cancelado, comienzo a hablaros de mis títulos festivaleros por la primera película a la que asistí: Carne de Neón.

Paco Cabezas dirige este remake de su propio corto que nos atrapa en un mundo de antihéroes marginales y perdedores con un sabroso regusto a la filmografía de Guy Ritchie.

Hay bastantes elementos a destacar dentro de esta divertida y sucia historia pero, sin duda, el más llamativo su trepidante ritmo, que no deja tregua al espectador entre sus momentos más cómicos, los más dramáticos o los más explícitos. Al ritmo se une la acertada dirección artística, que consigue un ambiente sucio y viciado apoyado por esa fotografía de alto contraste que a mí suele gustarme mucho.

Por último, aunque probablemente lo más importante, hay que aplaudir a un excelente elenco que hace suyos unos personajes que de planteamiento podrían haber caído fácilmente en el típico plantel que encontramos en títulos de universos similares. Salvo Mario Casas, al que han aplaudido pero que yo no conseguía creerme en ninguna de sus secuencias dramáticas, todos los intérpretes están fantásticos aunque quiero destacar a una estupenda Ángela Molina, a un odiosamente encantador Vicente Romero y a Dámaso Conde con su adorable Infantita.

No, no es perfecta. Tiene alguna que otra bajada de interés, alguno de sus tramos se hace demasiado largo, y la forma de introducir al policía y su hija (Blanca Suárez) en la trama es bastante torpe pero todas sus virtudes y la falta de títulos de este estilo en nuestro panorama cinematográfico, casi consiguen anular todos esos peros.

Que no os de reparo esa sinopsis llena de putas, yonkis y demás protagonistas de bajos fondos, Carne de neón es una película divertida, entretenida, emotiva, dura con la que seguramente paséis un muy buen rato.

Rodrigo Cortés te habla sobre Buried

2010-10-05T13:36:00.004+02:00

Este fin de semana se ha estrenado la magnífica e imprescindible Buried (Enterrado) en las salas españolas. Mientras que algunos se muestran reticentes ante su propuesta, otros disfrutan durante una hora y media de uno de los títulos del año. No contest.

Ya os hablé de ella y escribí una pequeña crítica tratando de incitaros a ver esta maravilla sin desvelar nada y ahora os traigo a Rodrigo Cortés hablando sobre diferentes aspectos del film en la rueda de prensa que se celebró en el Festival de Donosti.

En estos vídeos habla de muchas cosas: del guión, de la dirección, de Ryan Raynolds y muchos otros temas relacionados con la producción. No contienen spoilers salvo en el último vídeo (donde está especificado). Creo que no hace falta decir lo encantada que salió la prensa de aquel evento, y es que Cortés habla, argumenta y explica las cosas que dan ganas de aplaudirle a cada frase.

Disculpad si la calidad del sonido deja mucho que desear pero fue un aquí te pillo aquí te mato que improvisé con el iPhone.

CORTÉS HABLA SOBRE EL ORIGEN DEL PROYECTO

SOBRE RYAN RAYNOLDS

SOBRE EL GUIÓN Y LA FORMA DE ABORDARLO

SOBRE REFERENCIAS Y DECISIONAS A LA HORA DE RODAR

SOBRE EL CONTENIDO POLÍTICO Y OTROS TEMAS DEL FILM

SOBRE LA NARRATIVA, LA ILUMINACIÓN Y OTRAS CONSIDERACIONES (CONTIENE SPOILERS)

Y hasta aquí los vídeos. Además, durante la misma rueda, grabé un par de audios para subirlos en directo con la aplicación de audioboo. En ESTE, Cortés habla sobre los duros 17 días de rodaje. En ESTE OTRO nos cuenta cómo fue el rodar las secuencias en el orden cronológico de la historia.

Espero que os haya resultado interesante a aquellos que ya habéis disfrutado del film y a los que aún no lo habéis visto, espero que os haya dado un empujoncito para acudir cuanto antes al cine.

58 ed. Donostia: Come Reza Ama (Eat Pray Love) [EEUU]

2010-09-24T14:17:00.006+02:00

Julia Roberts es premio Donostia este año y eso me genera opiniones enfrentadas. Por una parte, no me parece tan escandalosamente vergonzoso como dárselo a Matt Dillon (que se lo llevó a casa en 2006) cuando Clint Eastwood no lo tiene, por ejemplo. Pero, aunque creo que ella es única y que lo merece más que muchos, no puedo evitar que me resulte algo “de broma” este premio.

Julia vino a España, junto a Ryan Murphy, Javier Bardem y Richard Jenkings, a presentar su nueva película Come Reza Ama, adaptación cinematográfica de la novela autobiográfica del mismo titulo que firma Elizabeth Gilbert. Y es un coñazo.

Sí, la estructura por los capítulos del título funciona, tiene reflexiones interesantes y es fácil sentirse identificado con la crisis existencial que atraviesa la protagonista y la forma en la que va descubriendo y entendiendo la vida. Y tiene momentos concretos bastante memorables.

Pero esos pocos puntos positivos no son suficientes ni se utilizan de forma efectiva en una historia mucho más repleta de tópicos de lo que ella se cree, de un ritmo demasiado lento y con una falta de personalidad preocupante. Suerte que Julia Roberts y su encanto le dan un poco de luz a cada secuencia. En cualquier caso, es muy probable que Come Reza Ama guste a aquellos que hayan disfrutado con la de la novela, ya que la fidelidad en la adaptación se nota a pesar de no haberla leído.

En definitiva, un título que llega a aburrir por su ritmo irregular, su excesiva duración, la insuficiente presencia de sus secundarios y por realmente no aportar nada nuevo. Y lo dice alguien que se traga hasta el título más insignificante de este género. Come Reza Ama se estrena en España hoy, 24 de Septiembre.

58 ed. Donostia: Nothing's All Bad (Smukke mennesker) [Dinamarca]

2010-09-22T11:18:00.004+02:00

La ausencia de amor en nuestras vidas es un lugar común en la cinematografía internacional. Esta opera prima del danés Mikkel Munch-Fals toma esta temática y la coloca frente al espejo haciéndonos partícipes de la soledad de cuatro personajes que lo que lo que echan en falta es una pizca de amor propio.

Desde la joven que ha perdido un pecho debido al cáncer hasta el pervertido que intenta cambiar y no lo consigue, Nothing's all bad es una historia de excesos con unos personajes al borde del abismo que harían cualquier cosa por encontrar algo de autoestima en su camino. Se unen a ellos dos una recién jubilada y viuda señora que se encuentra extremadamente sola y un joven atractivo que decide usar su cuerpo para satisfacer los deseos de cualquiera que esté dispuesto a pagar por ello.

Este es un título intimista, de narrativa lenta que deja mucho espacioa sus personajes pero, a pesar de tener un ritmo pausado, la evolución de las tramas es constante y la forma de entrelazarlas le otorga mucho dinamismo al conjunto.

En definitiva, Nothing’s all bad es emotiva, íntima, atrevida y con unos personajes tan extremos que consigue hacer de un discurso ya bastante común en este tipo de cine, algo novedoso, llamativo e interesante. Muy recomendable.

58 ed. Donostia: Neds [Reino Unido]

2010-09-19T11:47:00.008+02:00

Después de unos cuantos años de asistir al festival, parece que dentro de los títulos seleccionados ha de haber un porcentaje fijo de films que dedican sus historias a la infancia y la juventud y cómo el sistema educativo, sean padres o escuela, afectan, la mayoría de las veces negativamente, en el devenir de los protagonistas.

Personalmente es un discurso que me tiene algo saturada. Ya lo se. Se que hay padres borrachos que pegan a sus madres y eso afecta a los hijos. Se que hay profesores que recurren a medidas abusivas para imponer su disciplina y se que el papel de los hermanos mayores o de la pandilla es crucial en el proceso de maduración de un adolescente. Por ello, a priori, Neds me llamaba la atención más por la adrenalina de la violencia inherente en el planteamiento que por el discurso que se podría esperar en ella.

Dicho eso, y aunque también peca de estar en ese porcentaje, Neds también afronta el tema desde otro ángulo. “Non Educated Delincuents” es a lo que hace referencia el título pero su protagonista, John McGill, es un estudiante modelo: lee mucho, estudia mucho y no se mete en problemas. Cuando llega el verano, con mucho tiempo libre, empieza a quedar con un joven de familia bien y, al poco, se ve rechazado por su familia. Siempre ha habido clases.

En ese momento coinciden un cúmulo de situaciones que acaban por llevar a John al mal camino: un hermano con demasiado poder sobre las bandas callejeras, un encuentro con el grupito de turno, el rechazo de su amigo el rico, un padre que constantemente llega borracho a casa y maltrata a su madre, todos esos momentos en los que le han acosado por ser un pringado… A partir de ahí, John irá cayendo en el foso cada vez más y acabará convirtiéndose en lo que le aterraba cuando era más pequeño.

Neds sí coloca al entorno de John como base probable de culpa, pero no se entrega a ello sino que nos muestra ambos lados del camino, ya que la ira de John le llega tan dentro que no es capaz de ver las oportunidades de salvación que se le ofrecen.

Estos Non Educated Delincuents y su historia, basada por cierto en hechos reales (probablemente lo más espeluznante del film), no son lo más original ni lo mejor que he visto o veré en el festival, pero es un título que muestra la evolución de John al ritmo perfecto, que se toma su tiempo en lo importante y obvia lo obvio y un final de esos que te hace meditar durante un buen rato.

58 ed. Donostia: Buried (Enterrado) [España]

2010-09-19T00:28:00.009+02:00

Lo que Rodrigo Cortés nos ofrece en Buried es tan visceral y emocional que no sólo me resulta extremadamente complicado explicarlo con palabras, sino que casi se me antoja inapropiado.

Paul Conroy se despierta desconcertado en un ataúd de madera: ha sido enterrado vivo. Con las pocas herramientas que le han proporcionado sus captores, hará todo lo posible para que le saquen de su prisión bajo tierra.

Es realmente fascinante lo que Cortés y Chris Sparling (autor del guión y único en los créditos que no es español) han conseguido con este agobiante y claustrofóbico título. Una caja, un personaje cuyo único compañero de aventuras es un movil y la oscuridad. Esos son los tres elementos principales con los que juega este brillante thriller. Una hora y media con un excelentísimo Ryan Raynolds desesperado porque alguien le escuche y ayude.

Como el propio director comentaba en la rueda de prensa, una de sus mejores bazas es la forma en la que evoluciona la trama, donde el espectador va totalmente de la mano de Paul y descubre las cosas a la vez que el protagonista. No se recurren a secuencias en el exterior, no hay más puntos de vista que el de Paul y es ahí donde nace la pronta y profunda conexión con el personaje y el consecuente agobio y frustración del espectador para/con la película.

Los planos muy cortos. La respiración. El sonido de un mechero. La esperanza en forma de vibrador de móvil. La ocasional música de tensión. Los silencios. La oscuridad. Hasta el más mínimo detalle cobra importancia.

Pero para contar lo que realmente quisiera sobre “Enterrado” y explicar los motivos que la convierten en uno de los films más brillantes que he visto este año tendría que meterme de lleno en el devenir de la historia, en los recursos visuales y otros aspectos que requerirían desvelar demasiadas cosas de la película y no. Tenéis que descubirla de la mano de Ryan Raynolds, de la de Sparling, de la mano de Rodrigo Cortés y, por supuesto, de todo el cuerpo sudoroso, tenso, aterrado y desesperado de Paul Conroy.

58 ed. Donostia: HappyThankyouMorePlease [EEUU]

2010-09-19T00:10:00.003+02:00

Rara es la persona que afirme no haber tenido un momento en el que se sintiera que andaba perdido por la vida. Esta dramedia, primera película como director y guionista de Josh Radnor, conocido por contarnos cómo conoció a su mujer en la serie “Cómo conocí a vuestra madre”, habla precisamente de eso: de un grupo de treintañeros que tratan de dar un paso adelante en sus vidas intentando, ya de paso, ser felices.

Esta opera prima tiene bastantes virtudes y algún desatino. Su principal acierto reside en el propio discurso: es una historia sobre la viday el amor pero dista mucho de ser pretenciosa o forzadamente profunda. Radnor consigue un guión de diálogos frescos, que toma los tópicos del género comedia romántica dándoles un par de vueltas y se acerca a sus historias con honestidad.

El mayor fallo del film está en su presentación. La primera media hora del metraje, el foco se encuentra completamente en Sam Wexler, personaje principal interpretado por el propio Radnor, y, sin embargo, poco a poco se va convirtiendo en una historia con un nivel de coralidad bastante alto. El espectador se encuentra a sí mismo algo desubicado cuando esos secundarios comienzan a tomar protagonismo y tiene que forzarse a sí mismo a volver a entrar en la historia, hacerse con las nuevas líneas e interesarse con ellas.

Sin embargo, una vez todo está puesto en su sitio, todo el conjunto se disfruta mucho más gracias a esa originalidad a la hora de acercarse a las diferentes tramas y personajes que componen la película. El ritmo es excelente, hay muy buen equilibrio entre la comedia y sus, poco frecuentes, momentos dramáticos y, en definitiva es un título simpático con el que resulta increíblemente fácil sentirse identificado.

Happythankyoumoreplease es una historia optimista, contada en una atmósfera optimista, con secuencias memorables que resaltan lo bueno y bonito de vivir y con una de esas bandas sonoras indies que ponen la guinda de buen rollo a las secuencias. Vamos, de esas películas que te dejan con una sonrisa mientras abandonas la sala.

58 ed. Donostia: I Saw the Devil (Akma-reul Bo-at-da) [Corea del Sur]

2010-09-18T22:33:00.004+02:00

Porque una buena ración de sangre y violencia de buena mañana nunca viene mal, el primer pase de prensa de mi primer día en el festival es de la koreana “I Saw the Devil”.

El antagonista es un sanguinario asesino de mujeres jovenzuelas que tiene el infortunio (o no, quién sabe) de matar a la equivocada: la prometida de un apuesto agente secreto que no parará hasta saciar su sed de venganza… que, os aseguro, es mucha.

Ji-Woon Kim es muy hábil en la dirección. Crea una atmósfera oscura en todos sus planos y, a pesar que este no es un thriller que pretenda asustar, sí que tiene momentos de tensión realmente bien conseguidos. También muy destacables son sus pocos pero efectivos momentos cómicos, que ayudan a liberar tensión a la vez que se ríen de los personajes.

Esta venganza con mayúsculas tiene sus pros y sus contras. Con ese esquema recurrente de “cuando creías que era el final, voy aún más allá” hay que tener mucho cuidado ya que corre peligro de resultar repetitivo. No es exactamente el caso de “I Saw the Devil” pero sí es cierto que le sobra un buen rato de metraje que podrían haber extraído de alguno de los muchos falsos finales.

I Saw the Devil habla de los extremos a los que puede llevarnos el dolor y sobre dónde estan los límites de la venganza. Intensa, entretenida y explícita. Como dijo el propio director en la rueda de prensa "Para castigar al diablo hay que, en cierto modo, convertirse en el diablo".

Camino al 58 Festival internacional de cine de Donostia

2010-09-15T14:18:00.001+02:00

La cuenta atrás ya a comenzado y este viernes 17 de Septiembre será el pistoletazo de salida de 9 días de cine en San Sebastián. Como cada año en la última película no queremos perdérnoslo y, desde allí, os contaremos qué títulos merece la pena que sigáis la pista. Aquí tenéis alguno de los títulos de las diferentes secciones.

Perlas.
Buried (Enterrado) de Rodrigo Cortés.
Bal (Miel) de Smith Kaplanoglu, Oso de Oro en Berlín.
Tuan Yuan (Apart Together) de Wang Quan’an, Oso de Plata al Mejor Guión en Berlín;
Happythankyoumoreplease, de Josh Radner, Premio del Público en Sundance;
The Oath, de Laura Poitras, Excellence in Cinematography Award en Sundance.
The Oath (el juramento) de Laura Poitras.
Poetry de Lee Changdong
Le Quattro Colte de Michelangelo Frammartino
Tuan Yuan (Apart Together) de Wang Quan’an

Sección Oficial
Addicted to Love, de Liu Hao
A Jamaâ (La mezquita) de Daoud Aoulad-Syad
Amigo de John Sayles
Aita de José María de Orbe
Cerro Bayo de Victoria Galardi
Eat Pray Love (Come Reza Ama) de Ryan Murphy
Elle s’appelait Sarah (La llave de Sara) de Gilles Paquet-Brenner
Home for Christmas (A casa por navidad) de Bent Hamer
Neds de Peter Mullan
El gran Vázquez de Óscar Aibar
Genpin de Naomi Kawase

Como siempre, existen otras secciones temáticas como el “Made in Spain”, la retrospectiva que este año recae sobre el director estadounidense Don Siegel. También encontramos Zinemira (panorama de cine vasco), Cine en construcción, la retrospectiva temática (Los nuevos caminos de la no ficción) y Horizontes Latinos.

El premio Donostia de este año ha caído en la que una vez fue la novia de América: Julia Roberts, que viene, junto a Richard Jenkins y Ryan Murphy, a presentar su nuevo título Come Reza Ama, que se estrena en España el 24 de Septiembre.

No dejéis de pasar por aquí, os iremos contando qué se cuece por el festival ;)

Pelis en un avión (III): La vuelta

2010-09-13T15:18:00.004+02:00

En mi última entrada empecé a comentaros las películas que habían formado parte de mi entretenimiento en las alturas. Ahora toca poner el broche a mis títulos de avión con lo que ví a mi regreso a casa.

Dear John
Si, qué pasa. Tengo un monstruo choni dentro que no sólo necesita devorar películas románticas sino que es orgullosa y a la vez vergonzosamente fan de las historias de Nicholas Sparks. He llorado como la que más en Un paseo para recordar y cuento a El Diario de Noa entre mis dramas favoritos. Reconozco dolorosamente haber visto y disfrutado The Last Song con Miley Cyrus. Como véis, Dear John era una opción más que lógica para lloriquear mientras surcaba los cielos.

Nicholas Sparks tiene unos daddy issues realmente preocupantes. Te dan ganas de llamar a su puerta y decirle que lo supere ya. Dear John es un buen drama romántico con una historia interesante y bien contada. John y Savannah son muy típicos dentro del perfil de personajes de Sparks pero no tanto dentro del mundo de los títulos del género. Desde el principio atrapa y realmente conecta. Es simple y, porqué no, predecible pero nada que no esperase de antemano ni nada que no pretenda ser.

El único problema que le veo a su evolución lo ví igualmente en The Last Song: gran parte del film se centra en la historia de amor pero los grandes conflictos se centran en la relación del protagonista con su padre, problema que sí se plantea desde el principio de ambas pero no se le da la suficiente importancia para que después no resulte algo brusco el giro en el foco de la trama. A pesar de todo, he llorado, reído y, en general, disfrutado con Dear John y eso es todo lo que le pido a un título como este.

El Equipo A
Ah. Qué decir de esta adaptación de la mítica serie de televisión. Primero, que la he disfrutado. Segundo, que me alegro de no haberla visto en el cine, algo que tenía intención de hacer en un principio.

El Equipo A es una película de acción sin ningún tipo de límite. Es excesiva hasta la parodia y ahí es donde reside su grandeza. No pretende ser más que dos horas de risas, acción demencial y topicazos. En algunas ocasiones roza tanto la línea de lo absurdo (e incluso la pasa) que me pregunto si lo que pretendían con esto era una parodia. El reparto es lo mejor del film. Hay mucha química entre los actores y creo que el casting es de lo más acertado en cuanto a retomar las características esenciales de los protagonistas de la mítica serie.

En definitiva: me ha hecho reír. Y mucho. A veces con ella, la mayoría de ella, pero reír al fin y al cabo. Y ¿qué más le puedo pedir a un título que me hace pasar dos horas de vuelo como si nada? ;)

PELIS EN UN AVIÓN (II): La ida

2010-09-10T15:17:00.001+02:00

Para vuelos de muchas horas siempre viene bien esa telecita de video on demand para animar el viaje. En mis vacaciones he tenido un total de 28 horas de vuelo entre las que he dormido, leído, escuchado música, visto series y... visto pelis. La selección disponible generalmente son títulos de entretenimiento mainstream pero en un avión se es menos exigente y normalmente títulos con los que seríamos más críticos, acaban mejor parados de lo que deberían (menos Jumper, a esa no la salva nada). He aquí el resultado de mis vuelos de ida.

Percy Jackson y el ladrón del rayo

Realmente no se qué me impulsó a seleccionar esta película pero un simple “está entretenida” de una amiga fue suficiente para ponerme con ella, y me alegro de haberlo hecho.

Percy Jackson está claramente enfocada a un público muy juvenil (mucho más que el de Harry Potter) y familiar en general. La historia es la típica de chaval normal que descubre que tiene poderes/es hijo de un dios griego y el desarrollo de su historia es la clásica narrativa de aventuras, con las pruebas iniciales, un descenso al inframundo, el enfrentamiento final y la resolución. Es predecible. Sin embargo, la pronta conexión que consiguen crear con el protagonista y un guión muy afortunado a la hora de manejar la acción y los gags cómicos tienen como resultado un título de lo más entretenido que mantiene el interés hasta el final. Perfecta para un avión. Ah, y siempre se agradece ver lo mono que se ha puesto el chavalín de Jack & Bobby.

Shrek 4

No había tenido demasiado interés hasta ahora ya que, aunque soy bastante fan de las dos primeras entregas de la saga, ya estaba muy saturada con el tema y me negaba a caer como lo hice con la tercera parte.

Este cuarto y supuestamente último título de las aventuras del ogro verde es tan decepcionante como esperaba. Sí, tiene un par de momentos más divertidos o chistes afortunados pero, en general, no es especialmente entretenida ni interesante, ya ha perdido toda la originalidad y mala leche con la que empezaron y, en definitiva, es completamente prescindible.

Origen, la nueva obra maestra de Christopher Nolan

2010-08-12T12:50:00.010+02:00

A estas alturas mucho (y generalmente bueno) se ha comentado sobre la nueva genialidad de Christopher Nolan pero yo no puedo resistirme a desmenuzar los motivos que para mí hacen de este título un absoluto imprescindible y el mejor del año hasta el momento (con perdón de En Tierra Hostil). Este texto va a estar repleto de detalles sobre los personajes y la trama así que, si no la has visto, no sigas leyendo y corre al cine más cercano ;)

¿Por qué me ha gustado tanto Origen y creo que es el mejor título del autor hasta ahora? Porque tiene una historia interesante, original y trepidante que, aunque compleja, se comprende perfectamente y cuenta tantas cosas con tantos detalles y niveles. Voy a intentar resumir todo aquello que más me gustó o impactó asumiendo que, probablemente, no le haga justicia.

He escrito esta entrada mientras escuchaba la fantástica banda sonora de la película, compuesta por el maestro Hans Zimmer. Tú puedes escucharla mientras me lees ;)

Los personajes
Es cierto que los personajes secundarios quedan algo superficiales. Salvo algunos deseos e impulsos que les mueven, todo el peso dramático recae sobre Cobb (un infravalorado Leonardo DiCaprio que a mí con cada película que protagoniza me gusta más), su esposa muerta y sus miedos. El resto del equipo que ayuda a implantar la idea en el subconsciente de Fisher son piezas muy necesarias para comprenderle y comprender todo el mundo onírico creado en la película pero sin objetivos. Como mucho resaltaría la curiosidad del personaje de Ellen Page.v El único con una motivación real, a parte de Cobb, es Saito.

A Cobb la culpa le supera. Creó un mundo de sueños sólo para él y su esposa en el que envejecer juntos pero acabó volviéndose en su contra y ella se olvidó de que aquello no era real. Cobb quería despertar y decidió implantar una idea en ella y conseguir que fuera consciente de que estaban en un mundo imaginario. Cuando despertábamos el pensaba que la confusión de volver a verse joven la había vuelto loca. Pero no. Esa idea implantada había llegado tan adentro que había dañado la percepción del mundo de su mujer para siempre.

El guión
La estructura del guión es realmente admirable. Comienza introduciendo al espectador directamente en el mundo de los sueños. Primero nos enseña el limbo, algo que cuando Saito es herido y Cobb explica los peligros del limbo, irremediablemente lleva a comprender la naturaleza de la primera secuencia. Después nos muestra los sueños dentro de los sueños y el valor de “la patada”. Una vez que conocemos las motivaciones que mueven a Cobb y la idea del “Origen”, llega la fase de explicar al espectador las reglas del juego.

Una historia como esta tenía muchas probabilidades de volverse demasiado confusa si no se contaba bien o de resultar demasiado tediosa si se paraban a explicar cada detalle. Pero Nolan supera con creces todos esos peligros potenciales e introduce a todos los personajes en el juego a la vez que coloca al espectador en mitad de su mundo y con sus reglas de forma más que efectiva. Poco a poco va creando esa base de tensión y para cuando están a punto de entrar en el primer nivel del subconsciente de Fisher, servidora no pudo reprimir un semiaplauso de emoción.

Pero la tensión nunca acaba. Con una habilidad pasmosa, Nolan crea diferentes niveles de narración gracias a los diferentes niveles de sueño, a todos les otorga algo interesante, en todos coloca tanto suspense como emoción y poco a poco va creciendo esa curva trepidante de la que es imposible escapar. Cada milímetro que la furgoneta caía, subía un poco mi frecuencia cardiaca.

Los géneros
Origen se mueve entre la fantasía, la acción y el drama de una forma muy efectiva. Es intensa cuando los personajes mantienen conversaciones de gran importancia dramática y con mucho contenido emocional. Es asombrosa en esos momentos de acción que resultan de lo más originales sobretodo entre niveles de sueño. ¿Quién no flipó con esa pelea en el hotel cuando la furgoneta del primer nivel giraba, haciendo cambiar la gravedad?. Además tenemos toda la mitología y reglas creadas por Nolan en torno al sueño, al subconsciente y al origen de las ideas.

Aspectos técnicos
Visualmente, Origen es una maravilla. Utiliza los efectos de forma inteligente e integrada. Todo tiene que estar al servicio de la historia. Pero eso no impide regalarnos imágenes como la del limbo, la calle doblándose sobre sí misma o esas maravillosas secuencias de acción con la gravedad cambiante (o sin gravedad). Es una historia oscura y el aspecto visual lo acompaña. Es una atmósfera gris pero saturada en algunas ocasiones para remarcar la condición onírica de la mayoría de la cinta. Y es Hans Zimmer, uno de mis compositores favoritos, el que empaqueta con lacito la historia gracias a su música oscura, profunda, intensa y con algún que otro toque épico.

El final
Muchas cosas he leído a cerca del fina y la mayoría hablan de si Cobb está en un sueño o es la realidad. Algunos han dicho que su tótem no es la peoncita sino su anillo de casado, que aparece en los sueños pero no en la realidad. Pero yo me pregunto ¿Realmente es tan importante?.

Para mí ese final es el mejor que podrían darle a una historia como esta. Básicamente la resumiría en “La ignorancia es la felicidad”. Antes de conocer la realidad sobre su vida, la mujer de Cobb era feliz. Y ahora Cobb puede que esté en la misma situación. Él había creado un edificio de recuerdos de los que se arrepentía y quería cambiar. En lo más bajo estaba la noche que su mujer se suicidó y, en lo más alto, el momento que se despidió de sus hijos sin ni siquiera verles la cara.

La base de ese edificio de recuerdos era la muerte de su mujer y, una vez superada, puede seguir adelante… o hacia arriba. ¿Ese final un recuerdo modificado dentro de un sueño? ¿Ha podido regresar a sus hijos en la realidad? ¡Qué importancia tiene! Cobb es feliz, ha conseguido su propósito. Esta idea también es apoyada por el desenlace de la misión Fisher. La estrategia final era que el joven empresario se diera cuenta de que su padre realmente le quería. Cobb y su equipo orquestan todos los niveles de tal forma que, al final, en el hospital, perciba esos sentimientos como reales y se apoyan en el molinillo que aparece en la foto que lleva Fisher en la cartera. Al final él cree que su padre le quiere. Es feliz. Se ha liberado. ¿Es verdad? No. Todo es una artimaña. Una mentira para manipularle. Pero no importa. Él tiene lo que quería: un pequeño pedacito de amor paternal.

Una de las teorías más interesantes que he leído por la web se centra en el personaje de Ellen Page. Afirman que todo lo que ocurre en la película es creado por elle ya que en la realidad es su psicoterapeuta que intenta ayudarle a superar lo de su mujer. Por ello también provoca todos los obstáculos para obligar a Cobb a ir a lo más profundo, al limbo, y enfrentarse a la realidad de lo que ocurrió con su mujer. Esto explicaría la rapidez de control y confianza que ella maneja desde el principio.

Dejando todo lo dicho atrás, soy de la opinión de que tampoco hay que darle tantas vueltas a todo. Puede que cada uno tenga una visión de los acontecimientos o una teoría distinta. Puede que algunos vean errores de cohesión en la narración o a los personajes superficiales. Pero a mí me da igual todo. Lo único que se a ciencia cierta es que hacía muchísimo tiempo que no disfrutaba tanto en el cine, que no me entregaba tantísimo a una historia, que no me sorprendía tanto un nuevo estreno, que no discutía con mis acompañantes sobre todos los detalles de un guión y que no sentía impulsos casi incontrolables de levantarme a aplaudir en algunos momentos de una película.

Podría haber seguido hablando párrafos y párrafos sobre Origen pero no lo haré. Lo único que voy a añadir en este punto de la entrada es que la última genialidad de Christopher Nolan va, sin ninguna duda, directa a mis grandes favoritas. Ya estoy deseando verla de nuevo.

Sobre la genialidad de Toy Story 3 y sus antecesoras

2010-08-02T15:31:00.009+02:00

Pixar estrenó sus andaduras como productora de largometrajes allá en 1995 con una película llamada Toy Story. Seguro que si ahora preguntamos a alguno de sus artífices, no podían imaginar que llegarían a estrenar una tercera parte y contar, además, con tanto éxito de crítica y público.

Toy Story es una de las mejores películas de animación que cualquiera, sin importar género, edad o procedencia, puede disfrutar. Habla de sentimientos universales y, para ello, utiliza unos interlocutores de lo más peculiar: Los juguetes.

Ya desde el momento en el que somos testigos de un puñado de soldaditos de juguete llevando a cabo una misión de reconocimiento sabemos que estamos ante algo especial, lo cual que se va confirmando a medida que avanza la historia.

Tiene sus momentos de humor, sus gracias derivadas de la naturaleza de los juguetes, sus momentos de aventura, sus autoparodias… Todo ello enlazado con una historia interesante, emotiva y magníficamente llevada.

Después de que Toy Story fuera una de mis películas de animación favoritas, mi escepticismo con la segunda parte era considerable. Llegó 4 años después, en 1999, y demostró que a veces, segundas partes sí que fueron buenas. De nuevo, este nuevo film nos regaló hora y media de risas, de cine bien hecho y de diversión para absolutamente todos los públicos. Quizá es porque la primera película de una saga cuenta siempre con el elemento novedad, pero siempre he considerado la primera parte mejor película como conjunto y la segunda la más divertida.

Las nuevas aventuras de Buzz y Woody volvían a regalarnos toda esa emotividad, toda la autoparodia que esta vez incluía nuevos juguetes a los que exprimir y todos esos conflictos y miedos que ya nos habían encandilado anteriormente.

Con la tercera y última parte de la saga ya no tenía ninguna duda: Pixar no crea para hacer caja. En Pixar han demostrado no sólo que tienen talento, sino que además miman todas y cada una de sus producciones como si fuera la única. Eso se ve de forma muy evidente en Toy Story 3, que retoma los mismos temas que sus dos antecesoras y, a pesar de ello, consiguen reinventarse a sí mismos y ofrecer algo totalmente nuevo a pesar de que el mensaje sea muy similar a los anteriores.

La tercera parte de esta saga de desventuras juguetiles lleva a otro nivel todo lo que nos habían ofrecido hasta ahora. En la primera nos ofrecieron un Buzz inconsciente de su verdadera naturaleza y un Buzz nuevo consciente que no hacía falta ser un supercomandante espacial para ser especial, importante o feliz. En la segunda entrega tuvimos a un Buzz más “juguete” que se encuentra no sólo con un Buzz como el que él solía ser, sino con el famoso villano El Emperador Zurg.

Y ahora no puedo hacer otra cosa que levantarme y aplaudir ante la nueva vuelta de tuerca: el Buzz matón, de nuevo, comandante espacial y su evolución al Buzz latino, sus piropos y sus bailecito. Ataque de risa, hoygan!.

Toy Story 3 ha resultado ser la más hábil de toda la saga a la hora de conseguir tensión en las desventuras de nuestros amigos los juguetes. Mientras que el factor aventura en las anteriores queda más infantil, aquí consiguen crear situaciones con suspense real como ese momento en el que todos se cogen de la mano. Yo realmente estaba pensando: “¿¡Y cómo van a salir de esta?!” xD

Los de Pixar vuelven a acertar en todos los elementos comunes a la saga: La inclusión de los nuevos juguetes es simplemente brillante, todos los giros de trama y cambios en los personajes están llevados con mucha inteligencia y tacto. Son cruelmente divertidos y a la vez tremendamente emotivos cuando tienen que serlo.

No sólo echan mano de la autopariodia y el autohomenaje, sino que nos deleitan también con numerosas referencias a grandes y pequeños títulos de la historia del cine, algo que ya habían hecho antes pero en mucha menor medida.

Y el final. Ese final. Era realmente difícil dar un final a una saga como esta y ya desde el planteamiento de Toy Story 3 (Andy se va a la universidad) tenía muchas dudas al respecto del cierre y no hay duda que ha superado absolutamente todas mis expectativas. Emotivo a más no poder y de lo más significativo. Una vez visto, realmente no se te ocurre ningún final mejor para las aventuras del l vaquero, el hombre espacial, los señores patata, el dinosaurio, el hombre espacial y el resto de los compañeros de juegos de Andy.

Me despido sólo con una pregunta… ¿Qué ha sido de Bo, la chica de las ovejas?¿Porqué han decidido que desaparezca en esta saga y sólo se la mencione media vez y adiós?¿Querían ahorrarse el dar más conflictos a Woody? ¿Decidieron que ya tenían suficiente con Barbie y Ken? No se, me ha resultado bastante raro.

Creo que ha quedado claro el cariño que le tengo a esta colección de maravillas que han resultado ser las tres entregas de Toy Story pero añado una cosita más: ¿Crees que una película familiar de animación no es para ti? ¿No entiendes el revuelo que ha tenido, sobretodo, esta tercera parte? Dale una oportunidad, seguramente te sorprenderá.